Le 19 octobre 2016, Steinberg lançait Dorico 1.0. Dix ans plus tard, ce logiciel de notation musicale a profondément changé les habitudes de nombreux compositeurs, arrangeurs, copistes et éditeurs. À l’occasion de cet anniversaire, Daniel Spreadbury, responsable du développement de Dorico, publie un passionnant retour sur une aventure commencée en 2012. Pour moi, l’histoire est particulière. J’ai suivi cette aventure dès ses débuts, bien avant que Dorico ne soit disponible, en lisant les billets que Daniel Spreadbury consacrait à son développement. J’ai ensuite accompagné ses évolutions à travers de nombreux articles publiés sur le Jipiblog. Voilà donc une excellente occasion de revenir sur dix années d’innovations, de promesses tenues, de quelques frustrations aussi, et surtout sur une autre manière de concevoir la gravure musicale. Sommaire Avant Dorico : une aventure commencée en 2012 Le journal de développement de Daniel Spreadbury 19 octobre 2016 : Dorico 1.0 arrive enfin Dix années d’innovations musicales L’arrêt de Finale change la donne Ce que Dorico a changé pour la gravure musicale Dorico et le Jipiblog : dix ans de publications Quel avenir pour Dorico ? Sources et liens utiles Avant Dorico : une aventure commencée en 2012 Contrairement à ce que pourrait laisser penser cet anniversaire, l’histoire de Dorico ne commence pas le 19 octobre 2016. Elle débute le 5 novembre 2012, lorsque plusieurs anciens développeurs de Sibelius rejoignent Steinberg à Londres pour concevoir un nouveau logiciel de notation musicale. L’équipe, réunie autour de Daniel Spreadbury, part pratiquement de zéro. Aucun programme existant à adapter, aucun nom de produit et, surtout, une montagne de problèmes à résoudre. Leur ambition dépasse pourtant la création d’un simple concurrent de Finale ou de Sibelius. Ils souhaitent construire un logiciel sur une architecture entièrement nouvelle, capable de comprendre la logique de la musique et d’appliquer intelligemment les règles de la gravure. Avant même de programmer toutes les fonctions, les développeurs rencontrent des compositeurs, copistes et professionnels pour mieux connaître leurs pratiques. En février 2013, une réunion avec des musiciens au siège londonien de la Musicians’ Union contribue à définir les besoins du futur logiciel. Cette démarche mérite d’être soulignée. Il ne s’agit pas seulement de reproduire des commandes familières, mais de réfléchir à ce qu’un logiciel moderne devrait accomplir pour libérer l’utilisateur d’une partie du travail répétitif de mise en page. Le journal de développement de Daniel Spreadbury C’est certainement l’un des aspects les plus intéressants de cette aventure. Pendant près de trois ans et demi, Daniel Spreadbury raconte publiquement la conception de Dorico dans une série de billets particulièrement détaillés. Quinze épisodes, plus de 35 000 mots et une quantité impressionnante d’explications techniques ! On y découvre les recherches sur l’espacement musical, les ligatures, les polices de caractères, les algorithmes de gravure, les méthodes de saisie et l’organisation des données musicales. Ces publications présentent également deux réalisations majeures : la police musicale Bravura et le standard SMuFL, destiné à normaliser l’organisation des symboles musicaux dans les polices numériques. Un rendez-vous que je suivais avec impatience Je me souviens très bien de cette période. Chaque nouveau billet de Daniel Spreadbury était l’occasion de découvrir une partie supplémentaire du futur logiciel. Le plus étonnant était que nous suivions avec intérêt le développement d’un programme que personne, en dehors de Steinberg, ne pouvait encore utiliser. Pour un passionné de gravure musicale, c’était pourtant captivant. Il était rare de pouvoir entrer ainsi dans les coulisses d’un logiciel professionnel et de comprendre les raisons de ses choix techniques. Daniel Spreadbury avait aussi une qualité précieuse : celle de rendre accessibles des questions parfois extrêmement complexes sans jamais sous-estimer l’intelligence de ses lecteurs. Cette transparence a largement contribué, à mon avis, à créer une communauté fidèle avant même la commercialisation du logiciel. En mai 2016, Steinberg dévoile enfin son nom : Dorico, en hommage à Valerio Dorico, imprimeur et graveur musical installé à Rome au XVIe siècle. Un nom qui rappelle que, derrière l’informatique, la gravure musicale reste d’abord une tradition éditoriale vieille de plusieurs siècles. 19 octobre 2016 : Dorico 1.0 arrive enfin Après presque quatre années de développement, Dorico 1.0 est officiellement lancé le mercredi 19 octobre 2016. Steinberg organise une soirée de présentation à Londres, au Bush Hall, devant plus de 150 invités. Plus de 1 000 personnes assistent également à l’événement en ligne. Le logiciel introduit immédiatement une organisation différente de celle de ses concurrents. Des instrumentistes, des blocs et des dispositions Dorico ne repose pas simplement sur une collection de portées à remplir. Il distingue les instrumentistes, les instruments, les blocs musicaux et les dispositions. Un même projet peut ainsi réunir plusieurs mouvements ou pièces, tout en permettant de produire différents conducteurs et parties séparées sans dupliquer inutilement les données musicales. Les modes Configuration, Écriture, Gravure, Lecture et Impression séparent les différentes étapes de préparation d’une partition. Le principe est séduisant : saisir la musique, laisser le moteur calculer une présentation cohérente, puis intervenir sur la gravure uniquement lorsque cela s’avère nécessaire. Une première version encore incomplète Il faut cependant se souvenir que Dorico 1.0 ne possédait pas toutes les fonctions attendues. Les symboles d’accords, certaines structures de reprise et plusieurs outils indispensables étaient absents. Pour de nombreux utilisateurs de Finale ou Sibelius, ces lacunes constituaient un obstacle. Daniel Spreadbury et son équipe avaient néanmoins annoncé leur philosophie : une fonction ne serait ajoutée que lorsqu’elle pourrait être intégrée correctement à l’architecture du logiciel. Les premières mises à jour arrivent rapidement. En juin 2017, Dorico 1.1 apporte notamment les symboles d’accords et les fins de reprise. La progression pouvait commencer. Dix années d’innovations musicales Au fil de six versions majeures, Dorico est progressivement devenu un environnement complet d’écriture, d’édition, de gravure et de lecture musicale. 2018 : Dorico 2 et les divisi Avec Dorico 2, publié le 30 mai 2018, Steinberg introduit notamment une gestion avancée des divisi pour les instruments à cordes. Le logiciel peut organiser automatiquement les divisions d’une section, adapter les portées et gérer les passages à l’unisson. Parallèlement, les outils destinés aux musiques de film, aux partitions rythmiques et au jazz progressent. La gestion des barres de reprise de mesure, des rythmes en slashs, du swing et des articulations jazz devient plus complète. C’est aussi l’époque où Dorico devient une famille de logiciels avec l’arrivée de Dorico Elements, une version plus accessible. 2019 : Dorico 3 et la condensation automatique Le 5 septembre 2019, Dorico 3 apporte l’une de ses innovations les plus spectaculaires : la condensation automatique des partitions d’orchestre. Ce procédé permet de réunir intelligemment plusieurs parties instrumentales sur une même portée dans le conducteur, sans renoncer aux parties séparées indépendantes. Pour les graveurs travaillant sur de grands ensembles, le gain peut être considérable. La notation pour guitare progresse elle aussi, notamment avec les tablatures, les diagrammes d’accords et les techniques instrumentales. La gestion des pédales de harpe bénéficie également d’outils spécialisés. 2020 et 2021 : Dorico s’ouvre à de nouveaux utilisateurs En janvier 2020, Steinberg présente Dorico SE, une édition gratuite qui permet de découvrir le moteur de notation du logiciel. En juillet 2021, Dorico arrive sur iPad. Cette version partage une grande partie de son architecture avec les éditions pour ordinateur et permet de travailler sur de véritables projets musicaux depuis une tablette. Ces deux initiatives élargissent considérablement le public de Dorico. 2022 et 2023 : des outils de travail plus efficaces Dorico 4, lancé en janvier 2022, améliore l’organisation de l’interface et introduit notamment la barre de commandes Jump Bar, le gestionnaire de bibliothèques et de nouvelles possibilités d’édition MIDI. En mai 2023, Dorico 5 renforce les fonctions d’interprétation sonore, les possibilités de lecture et les outils destinés aux compositeurs. Le logiciel évolue progressivement vers un environnement où la notation, la gravure et la restitution musicale peuvent dialoguer plus étroitement. 2025 et 2026 : Dorico 6 perfectionne la gravure Publié le 30 avril 2025, Dorico 6 revient fortement sur les questions de notation et de mise en page. Parmi ses principales nouveautés figurent les partitions à fenêtres, appelées cutaway scores, la relecture automatique des partitions et de nouveaux outils de personnalisation des symboles d’accords. Les mises à jour suivantes perfectionnent encore les fonctions de condensation, les reprises, la guitare et de nombreux détails typographiques. En mars 2026, Dorico 6.2 apporte de nouvelles améliorations dans la gestion des reprises et dans la présentation des partitions. J’ai détaillé ces évolutions dans deux articles : Dorico 6 : les nouveautés qui changent tout Dorico 6.2 : nouveautés et avis sur la mise à jour L’arrêt de Finale change la donne Impossible d’évoquer les dix années de Dorico sans revenir sur le 26 août 2024. Ce jour-là, MakeMusic annonce l’arrêt du développement de Finale, logiciel historique de notation musicale utilisé depuis plus de trente-cinq ans. La nouvelle surprend une grande partie de la communauté des graveurs et éditeurs. De nombreux professionnels possèdent des milliers de partitions au format Finale et doivent envisager l’avenir de leurs archives. MakeMusic et Steinberg s’associent alors pour proposer une transition vers Dorico Pro. Dans son billet anniversaire, Daniel Spreadbury évoque cette période avec beaucoup de respect pour les équipes qui ont créé Finale. Il souligne également la responsabilité considérable que représente l’arrivée de nombreux nouveaux utilisateurs. Le défi de la migration des partitions Pour les éditeurs musicaux, le problème ne se résume pas à apprendre une nouvelle interface. Il faut aussi préserver les œuvres déjà gravées, récupérer les données musicales, vérifier les parties séparées et reconstruire certaines mises en page. MusicXML constitue un excellent outil de transition. Toutefois, il ne garantit pas une reproduction graphique identique de la partition d’origine. J’ai moi-même abordé ce sujet dans plusieurs articles, notamment : Migration de Finale à Dorico : guide étape par étape Finale 27 vers Dorico 6.1.10 : migrer mes partitions Cet épisode a renforcé la place de Dorico dans le monde de la notation musicale professionnelle. Il ne signifie pas pour autant que tous les utilisateurs doivent adopter le même logiciel. Sibelius, MuseScore et les autres solutions conservent leurs qualités. La véritable question reste celle des besoins et des méthodes de travail de chacun. Ce que Dorico a changé pour la gravure musicale En tant que musicien et responsable de 2Mc Éditions, je m’intéresse particulièrement à la qualité des partitions que les logiciels permettent de produire. Une partition n’est pas seulement une succession de notes correctement placées. C’est un document destiné à être lu et interprété, parfois dans des conditions difficiles. La lisibilité, l’espacement, la cohérence des articulations, les conventions propres aux instruments et l’organisation des pages font partie intégrante de la qualité éditoriale. Moins de corrections manuelles, davantage de cohérence L’un des atouts majeurs de Dorico réside dans son moteur de gravure, qui applique des règles communes à l’ensemble d’un projet. Les paramètres globaux permettent d’harmoniser les publications. Les dispositions facilitent la préparation des parties séparées. La distinction entre contenu musical et présentation graphique limite certaines interventions répétitives. Sur des ouvrages pédagogiques, des recueils de pièces ou des partitions d’ensemble, ces principes peuvent représenter un gain de temps appréciable. Encore faut-il connaître correctement le logiciel et accepter sa logique, parfois très différente des habitudes acquises avec Finale ou Sibelius. Un excellent moteur ne remplace pas un graveur Je reste cependant convaincu qu’aucun logiciel ne produit automatiquement une partition parfaite dans toutes les situations. Une gravure réussie exige toujours une connaissance des instruments, une compréhension de la musique et une véritable attention à la lecture. Dorico automatise intelligemment un grand nombre d’opérations. Mais l’œil du graveur et son expérience restent indispensables pour juger du résultat. J’ai développé cette réflexion dans l’article Dorico, Finale, Sibelius, MuseScore : le faux débat. Après tout, un excellent logiciel peut produire de mauvaises partitions si son utilisateur ignore les règles élémentaires de notation musicale ! Dorico et le Jipiblog : dix ans de publications L’anniversaire de Dorico est aussi l’occasion de retrouver une partie de l’histoire du Jipiblog. Dès 2016, j’évoquais ce nouveau logiciel de Steinberg. Dans un article du 23 mai 2016 intitulé « Dorico de Steinberg. Des concepts innovants », je présentais les premières informations révélées lors d’une conférence professionnelle à Helsinki. En octobre 2017, je racontais mes premiers essais avec le logiciel, notamment pour utiliser Aria Player et retrouver des sonorités auxquelles j’étais habitué avec Finale. Je ne cachais d’ailleurs pas mon enthousiasme pour l’efficacité de Dorico, tout en soulignant certaines lacunes et la qualité sonore perfectible des instruments fournis à cette époque. Depuis, les articles se sont multipliés : tutoriels de saisie, modes d’écriture et de gravure, expression maps, nouvelles versions, comparaisons et migration depuis Finale. Quelques articles à redécouvrir 2017 : utiliser Aria Player avec Dorico 2017 : créer, éditer ou importer des Expression Maps 2018 : comprendre le mode Gravure dans Dorico 2023 : Dorico, questions et réponses pour tout savoir 2026 : Finale est mort, Dorico triomphe… vraiment ? Et pour retrouver l’ensemble de ces publications, consultez tous les articles consacrés à Dorico sur le Jipiblog. Ces archives montrent à quel point le logiciel a évolué. Elles permettent aussi de retrouver les interrogations et les espoirs qui accompagnaient chacune de ses versions. Quel avenir pour Dorico ? Dans son article du dixième anniversaire, Daniel Spreadbury ne se contente pas d’énumérer les réussites passées. Il remercie les développeurs, les équipes de Steinberg et les utilisateurs qui ont accompagné Dorico depuis ses débuts. Cette reconnaissance de la communauté me semble essentielle. Les échanges entre les développeurs et les musiciens ont toujours occupé une place particulière dans l’évolution de Dorico. Pour les prochaines années, les enjeux sont nombreux : améliorer encore les outils de gravure, simplifier certaines opérations, renforcer les échanges entre logiciels et répondre aux besoins des musiciens qui travaillent sur des projets toujours plus variés. L’intégration de la technologie Dorico dans l’éditeur de partitions de Cubase 14, en novembre 2024, illustre également les possibilités de rapprochement entre production musicale et notation traditionnelle. Reste une question fondamentale : jusqu’où peut-on automatiser la présentation d’une partition sans perdre le regard et les choix du graveur ? Voilà un sujet qui devrait continuer à nous occuper pendant quelques années ! Bon anniversaire Dorico ! Dix ans après la sortie de Dorico 1.0, je garde surtout le souvenir d’une aventure technique que j’ai eu le plaisir de suivre presque depuis son origine. Du journal de développement de Daniel Spreadbury aux dernières versions, le chemin parcouru est impressionnant. Dorico n’est pas parfait. Aucun logiciel ne l’est. Mais son équipe a réussi quelque chose de remarquable : proposer une autre façon de penser l’écriture et la gravure musicales, puis faire évoluer cette idée avec une réelle constance. Alors, bon anniversaire Dorico, et bravo à Daniel Spreadbury ainsi qu’à toute l’équipe de Steinberg ! Et rendez-vous dans dix ans pour découvrir ce que sera devenue la notation musicale. Sources et liens utiles L’article de Daniel Spreadbury, publié le 19 octobre 2026, constitue la principale source historique de cette rétrospective. Il est disponible en anglais : Ten years of Dorico, par Daniel Spreadbury. Pour découvrir le logiciel et ses différentes éditions : Site officiel de Steinberg Dorico. Enfin, le Jipiblog conserve de nombreux articles sur Dorico, ses innovations et les questions pratiques liées à son utilisation. Et vous, avez-vous découvert Dorico dès ses débuts ? Utilisez-vous aujourd’hui Dorico, Finale, Sibelius ou MuseScore ? N’hésitez pas à partager votre expérience dans les commentaires.

The postDorico fête ses 10 ans : une révolution musicale first appeared on Jipiblog.

Un nouvel éditeur de partitions vient de faire son apparition. Baptisé Maestro, ce logiciel gratuit pour Windows et macOS propose des fonctions particulièrement séduisantes : ouverture directe des fichiers Finale et Guitar Pro, importation de partitions PDF multipages, reconnaissance des partitions numérisées et exportation au format MusicXML. De quoi faciliter considérablement la récupération et la réutilisation de partitions existantes. Depuis l’arrêt de Finale par MakeMusic en 2024, le monde de la notation musicale connaît quelques bouleversements. Les utilisateurs de ce logiciel historique doivent désormais envisager d’autres solutions pour conserver, modifier et exploiter leurs nombreuses partitions. C’est dans ce contexte qu’arrive Maestro, un nouvel éditeur de partitions conçu par des musiciens également programmeurs, qui ont longtemps travaillé avec Finale. Mais Maestro ne se contente pas de reprendre certaines habitudes de son illustre prédécesseur. Il propose plusieurs fonctions d’importation qui pourraient bien intéresser tous ceux qui possèdent une bibliothèque de partitions numériques, notamment au format PDF. Au sommaire Un éditeur inspiré de Finale Ouvrir les partitions Finale Importer les fichiers Guitar Pro L’importation des PDF multipages Les PDF issus de logiciels de notation Les PDF scannés et Audiveris Un essai avec une partition pour harpe Du PDF au MusicXML vers Dorico Un exemple pour les arrangeurs Convertir plusieurs fichiers en MusicXML Maestro peut-il remplacer Finale ou Dorico ? Mon impression Un éditeur de partitions inspiré de Finale L’interface de Maestro a été pensée pour ne pas dépayser les utilisateurs de Finale. On y retrouve notamment les modes de saisie Simple Entry et Speedy Entry, une palette d’outils et différentes vues de la partition, ainsi que de nombreuses possibilités de mise en page et de gravure musicale. Le logiciel permet de composer, arranger et éditer des partitions pour différentes formations, du simple instrument soliste au grand orchestre. Parmi les fonctions proposées, on trouve : La saisie musicale au clavier de l’ordinateur ou avec un clavier MIDI. L’édition des conducteurs et l’extraction des parties instrumentales. La gestion des nuances, articulations, paroles, accords et reprises. La création de tablatures pour guitare et basse. L’écoute des partitions avec des banques de sons et un mixeur. L’exportation en PDF, MusicXML, MIDI et fichiers audio. Des outils d’analyse harmonique et d’aide à l’arrangement. Des modèles sont également proposés pour les formations de jazz, notamment les combos et les big bands. Autre particularité appréciable : Maestro est actuellement gratuit, sans abonnement, limitation fonctionnelle ni obligation de créer un compte. Ouvrir directement les anciennes partitions Finale C’est l’un des arguments majeurs de Maestro. Le logiciel peut ouvrir directement les fichiers .mus et .musx créés avec Finale, sans passer préalablement par une conversion MusicXML. Il n’est même pas nécessaire de posséder Finale sur l’ordinateur. Cette compatibilité concerne aussi bien les anciennes partitions au format .mus que les documents plus récents enregistrés en .musx. Maestro récupère de nombreux éléments de la partition originale : instruments, portées, notes, rythmes, armures, articulations, nuances, liaisons, paroles, chiffrages d’accords et indications de reprise. Les polices musicales historiques de Finale sont également intégrées, notamment Maestro, Jazz et Broadway. Voilà qui devrait faciliter la récupération des partitions utilisant ces caractères. Maestro peut également exporter une partition au format Finale .musx, ce qui permet de conserver une certaine circulation des documents entre les deux logiciels. Bien entendu, il restera nécessaire de vérifier les documents les plus complexes, particulièrement ceux comportant une mise en page très personnalisée. Guitar Pro : les tablatures deviennent également accessibles Maestro ne s’adresse pas uniquement aux utilisateurs de Finale. Depuis une mise à jour du 14 octobre 2026, il sait également ouvrir les fichiers Guitar Pro, dans plusieurs générations de formats : .gp3, .gp4 et .gp5 pour les anciennes versions. .gpx pour Guitar Pro 6. .gp pour Guitar Pro 7 et 8. Les pistes sont converties en instruments avec notation traditionnelle et tablature. Le logiciel récupère notamment les informations d’accordage, les indications de capodastre et différents effets de jeu caractéristiques de la guitare : bends, slides, hammer-on, pull-off, harmoniques, palm mute et vibrato. Cette possibilité ne concerne d’ailleurs pas seulement les guitaristes. Les fichiers Guitar Pro peuvent également comporter des parties de basse, de batterie ou de clavier. Une fois la partition ouverte, il devient possible de l’éditer dans Maestro, puis de l’exporter en MusicXML pour poursuivre le travail dans un autre logiciel. Pour les musiciens possédant de nombreuses tablatures créées avec Guitar Pro, cette passerelle mérite certainement le détour. L’importation des PDF multipages : la fonction la plus intéressante ? C’est probablement la fonction qui a le plus retenu mon attention. Combien de musiciens, enseignants ou éditeurs possèdent des centaines de partitions au format PDF, sans disposer des fichiers qui ont servi à les créer ? Jusqu’à présent, récupérer ces documents pour modifier quelques notes, changer une tonalité ou réaliser un nouvel arrangement pouvait se révéler particulièrement fastidieux. Maestro propose une solution : ouvrir un PDF musical et en reconstruire une partition éditable. Et surtout, cette opération n’est pas limitée à une seule page. Elle peut concerner une partition complète comportant plusieurs pages. Premier cas : les PDF exportés depuis un logiciel de notation Lorsqu’un PDF a été produit directement depuis Finale, Dorico, Sibelius, MuseScore, LilyPond ou un autre éditeur de partitions, Maestro peut tenter d’en lire les éléments musicaux. L’opération est simple : Ouvrir Maestro. Choisir Fichier → Ouvrir. Sélectionner le document PDF, même s’il comporte plusieurs pages. Laisser le logiciel reconstruire la partition. Contrairement à une reconnaissance classique de caractères sur une image, Maestro analyse directement les informations graphiques et les polices musicales présentes dans certains PDF. Il peut ainsi retrouver les notes, les durées, les silences, les altérations, les clés, les armures, les indications de mesure et de nombreux éléments complémentaires. Les paroles, les accords chiffrés, les nuances, les articulations, les reprises et certaines indications de structure peuvent également être récupérés. L’intérêt est considérable : un document qui ne servait auparavant qu’à l’impression peut redevenir une véritable partition musicale modifiable. Il ne faut toutefois pas en déduire que tous les PDF seront reconnus parfaitement. Leur structure interne, le logiciel qui les a produits et la complexité de l’écriture influencent le résultat. Deuxième cas : les PDF scannés ou les photographies de partitions Le problème est différent lorsqu’une partition a été numérisée avec un scanner ou photographiée. Dans ce cas, les notes ne sont plus des objets musicaux identifiables, mais simplement des éléments d’une image. Maestro utilise alors Audiveris, un logiciel libre de reconnaissance optique musicale, également appelée OMR (Optical Music Recognition). La procédure passe par la commande Fichier → Importer une partition numérisée. Lors de la première utilisation, Maestro peut proposer de télécharger et d’installer Audiveris. Il devient alors possible d’importer un PDF multipage ou plusieurs images de pages, dans leur ordre, pour les réunir en une seule partition. Maestro prévoit quelques traitements préalables : redressement des pages inclinées, correction de leur orientation et atténuation des irrégularités de fond. Une fois la reconnaissance effectuée, le logiciel peut afficher la partition originale à côté de sa version éditable. Une fonction particulièrement pratique permet de retrouver la mesure correspondante entre le document d’origine et la partition reconstruite. Les corrections s’en trouvent facilitées. Naturellement, la qualité du résultat dépend de celle des documents. Une partition imprimée proprement et numérisée à 300 dpi donnera généralement de meilleurs résultats qu’une photocopie ancienne, déformée ou partiellement effacée. Les écritures manuscrites, certaines polices de jazz et les tablatures peuvent également poser problème. L’importation des partitions scannées avec Audiveris nécessite une version de Maestro capable d’exécuter ce logiciel externe. Cette fonction n’est notamment pas disponible dans la version distribuée sur le Mac App Store. Un essai concret avec une partition pour harpe Pour illustrer les possibilités de Maestro, j’ai réalisé un essai avec Ode to the Harp, une partition pour harpe de Sergiu Natra datant de 2017. La capture d’écran ci-dessous permet de comparer le PDF original, affiché à droite, et sa conversion en partition éditable dans Maestro, à gauche. Le résultat est encourageant : Maestro a reconnu une grande partie de l’écriture musicale, malgré la présence de deux portées, de nombreux changements de clés, de rythmes complexes et de diverses indications d’interprétation. En revanche, la comparaison révèle également certaines limites. La disposition des mesures diffère sensiblement du document original, et plusieurs éléments nécessitent une vérification ou des corrections. Cet exemple illustre parfaitement l’intérêt de Maestro : récupérer une partition à partir d’un PDF pour pouvoir ensuite la corriger et l’exporter en MusicXML, notamment vers Dorico. Il ne s’agit pas de reproduire automatiquement une gravure parfaite, mais de disposer d’une base de travail qui peut éviter une ressaisie complète. Du PDF au MusicXML : une nouvelle vie pour les partitions dans Dorico Voilà certainement le scénario qui intéressera le plus les utilisateurs d’autres logiciels de gravure musicale. Imaginons que l’on possède une partition de plusieurs pages, uniquement disponible au format PDF. On souhaite la modifier dans Dorico, par exemple pour transposer une partie instrumentale, corriger quelques erreurs, extraire des parties séparées ou préparer une nouvelle édition. Avec Maestro, le principe devient relativement simple : PDF multipage → Maestro → MusicXML → Dorico La première étape consiste à ouvrir le PDF dans Maestro, directement ou par reconnaissance optique selon sa nature. Après avoir vérifié la partition reconstruite et corrigé les erreurs éventuelles, il suffit de choisir Fichier → Exporter en MusicXML. Le fichier obtenu peut ensuite être ouvert dans Dorico, mais aussi dans MuseScore, Sibelius ou tout autre logiciel compatible avec MusicXML. On dispose alors d’une partition dont les notes et les autres éléments reconnus peuvent être modifiés. Le format MusicXML permet de transmettre une grande partie des informations musicales et certaines données de présentation. En revanche, il ne garantit pas la reproduction exacte de la mise en page du document original. Il faudra donc généralement reprendre quelques détails de gravure, notamment les espacements, les sauts de système, les collisions ou la présentation des parties séparées. Il reste que cette méthode peut représenter un gain de temps considérable par rapport à une ressaisie intégrale. Un exemple concret pour les arrangeurs Prenons le cas d’une ancienne partition de big band dont on ne possède plus que le conducteur PDF. Si Maestro réussit à reconstruire correctement les différentes portées, le conducteur peut être exporté en MusicXML, puis importé dans Dorico. L’arrangeur pourra alors retravailler l’orchestration, modifier les harmonies, ajouter des instruments ou préparer de nouvelles parties séparées. Le même principe peut s’appliquer à une partition pédagogique, une pièce pour piano ou une œuvre de musique de chambre. Il faut évidemment vérifier soigneusement les notes, les rythmes, les altérations, les instruments transpositeurs et les indications d’interprétation avant d’utiliser le résultat. Et la possibilité technique de convertir une partition ne dispense naturellement pas de respecter les droits d’auteur et les autorisations nécessaires à son adaptation ou à sa diffusion. Convertir plusieurs fichiers en MusicXML Autre possibilité intéressante, Maestro propose une fonction de conversion par lots. La commande Fichier → Exporter → Convertir en MusicXML permet de traiter plusieurs fichiers, voire des dossiers entiers. Cette fonction peut rendre service aux musiciens qui souhaitent transférer progressivement leurs archives Finale ou Guitar Pro vers un autre environnement de notation. Au lieu d’ouvrir et d’exporter chaque partition individuellement, il devient possible d’automatiser une partie du travail. Là encore, la conversion ne remplace pas le contrôle musical et graphique des documents obtenus. Maestro peut-il remplacer Finale, Dorico ou MuseScore ? La question mérite d’être posée, mais il serait probablement prématuré d’y répondre définitivement. Maestro est encore en version bêta et son développement évolue à un rythme particulièrement rapide. Ses possibilités de notation, de mise en page, d’impression et d’exportation sont déjà nombreuses. Pour autant, remplacer un logiciel de gravure musicale professionnel suppose davantage que la présence d’une longue liste de fonctionnalités. La stabilité sur les partitions volumineuses, la précision de la gravure, la gestion des parties instrumentales et la fiabilité des échanges entre logiciels sont des critères essentiels. Il faudra également juger Maestro sur des documents complexes, avec plusieurs voix, des instruments transpositeurs, des tablatures ou des mises en page exigeantes. En attendant, rien n’oblige à considérer Maestro comme un remplaçant. Il peut déjà constituer un outil complémentaire particulièrement utile pour récupérer, convertir et exploiter des partitions créées dans d’autres logiciels. Mon impression : un véritable outil de récupération des partitions Ce qui me semble le plus intéressant dans Maestro n’est finalement pas sa volonté de reprendre certaines habitudes de Finale. C’est plutôt sa capacité à créer des passerelles entre des formats qui, jusqu’à présent, ne communiquaient pas toujours facilement. L’importation directe des anciens fichiers Finale constitue déjà un argument sérieux. La prise en charge des fichiers Guitar Pro élargit encore son intérêt. Mais c’est surtout l’importation des PDF multipages, suivie d’une exportation MusicXML, qui mérite à mon avis toute notre attention. Dans le domaine de l’édition musicale, nous sommes régulièrement confrontés à des partitions dont les fichiers sources ont disparu. Il ne reste parfois qu’un PDF, voire une numérisation papier. Pouvoir récupérer les informations musicales de ces documents, les corriger, puis les ouvrir dans Dorico ou un autre logiciel de gravure représente une perspective particulièrement séduisante. Bien sûr, aucune reconnaissance automatique ne dispense d’une relecture attentive. Une note mal interprétée, une altération oubliée ou une voix incorrectement reconstruite peuvent rendre une partition inutilisable. Mais si Maestro tient ses promesses sur des partitions suffisamment complexes, il pourrait rapidement trouver sa place dans la boîte à outils des musiciens et des éditeurs. Et puisqu’il est gratuit, il serait dommage de ne pas lui consacrer quelques essais ! Pour découvrir Maestro Site officiel de Maestro et téléchargement Documentation officielle : ouverture, importation et exportation des fichiers Historique des nouveautés et mises à jour Audiveris : reconnaissance optique des partitions

The postMaestro : importer PDF, Finale et Guitar Pro vers Dorico first appeared on Jipiblog.

Dorico, Finale, Sibelius, MuseScore… la vraie bataille n’est peut-être pas celle des logiciels. Et si le problème venait surtout de notre culture de gravure musicale ? Dorico, Finale, Sibelius, MuseScore… et si le problème, c’était nous ? Depuis des années, les utilisateurs de logiciels de notation musicale se livrent à une étrange guerre de tranchées. Les uns jurent que Dorico a enfin mis un peu d’intelligence dans la gravure. Les autres regrettent Finale comme on regrette une vieille voiture capricieuse qui démarrait un jour sur deux mais qu’on connaissait par cœur. Les fidèles de Sibelius défendent leur confort de travail. Les adeptes de MuseScore rappellent, non sans raison, qu’on peut déjà faire énormément de choses sans hypothéquer la maison. Et pendant ce temps-là, les partitions moches continuent de circuler. Le sujet mérite donc une petite secousse. Et si nous passions trop de temps à accuser les logiciels, alors que nous connaissons parfois assez mal les règles fondamentales de la gravure musicale ? Autrement dit, si le problème n’était pas seulement dans l’outil, mais aussi dans la main qui le tient et dans l’œil qui le guide ? La guerre des logiciels est souvent un faux débat Le match Dorico contre Finale contre Sibelius contre MuseScore passionne beaucoup de monde. Il occupe les forums, les groupes Facebook, les vidéos YouTube, les discussions entre collègues et probablement quelques soirées qui auraient mérité un meilleur destin. Le scénario est toujours à peu près le même. Tel logiciel gère mieux les reprises. Tel autre espace plus proprement. Celui-ci est plus logique. Celui-là est plus souple. Un quatrième a une meilleure communauté. Et chacun aligne ses bugs préférés comme d’autres récitent un chapelet. Tout cela n’est pas complètement faux. Les logiciels ont des qualités, des défauts, des philosophies et des limites très différentes. Certains automatismes sont excellents. D’autres donnent encore l’impression d’avoir été conçus dans une cave, un soir de fatigue, par un développeur poursuivi par un trio de clarinettistes mécontents. Mais la vraie question est ailleurs. Une partition mal gravée ne devient pas bonne parce qu’elle a été faite dans “le bon” logiciel. Et une partition claire ne doit pas uniquement sa qualité au programme utilisé. Le logiciel compte. Bien sûr. Mais il ne pense pas à notre place. Savoir utiliser un logiciel n’est pas savoir graver C’est sans doute là que le bât blesse. Beaucoup d’utilisateurs connaissent très bien leur outil. Ils savent entrer les notes vite. Ils connaissent les raccourcis. Ils savent corriger une collision, déplacer une nuance, forcer une ligature, changer un espacement, extraire des parties et bricoler à peu près n’importe quoi jusqu’à obtenir un résultat “qui a l’air correct”. Très bien. Mais connaître les menus n’est pas la même chose que connaître les règles de gravure. Ce n’est pas parce qu’on sait où cliquer qu’on sait forcément ce qu’il faut faire. Ce n’est pas parce qu’un logiciel autorise un choix qu’il s’agit d’un bon choix. Et ce n’est pas parce qu’une partition est propre à l’écran qu’elle sera agréable à lire sur un pupitre, en répétition, avec un éclairage douteux et un saxophoniste qui tourne la page une demi-seconde trop tard. La gravure musicale est un métier de détail, de hiérarchie visuelle, de respiration et de logique. Elle ne se résume pas à poser correctement des notes sur des portées. Elle consiste à rendre la musique lisible, évidente, fluide. C’est autre chose. Une partition juste n’est pas forcément une partition lisible Voilà le malentendu le plus fréquent. Une partition peut être exacte et rester médiocre. Tout y est. Les rythmes sont bons. Les hauteurs sont justes. Les armures sont en place. Les mesures tombent correctement. Et pourtant, le résultat fatigue l’œil, ralentit la lecture et complique inutilement le travail du musicien. Pourquoi ? Parce qu’une bonne gravure ne consiste pas seulement à être correcte. Elle doit être claire. Il faut que l’œil comprenne vite où il doit regarder. Il faut que les articulations, les nuances, les doigtés, les reprises, les changements de système et les indications de jeu s’organisent dans une hiérarchie visuelle logique. Il faut éviter les collisions, bien sûr, mais aussi les ambiguïtés, les lourdeurs, les surcharges et les petits raffinements absurdes qui font très sérieux à l’écran mais très pénibles dans la vraie vie. La musique imprimée n’est pas une vitrine de fonctions logicielles. C’est un outil de lecture. Et parfois, à voir certaines pages, on a l’impression que cette idée a pris un congé sans solde. Le logiciel est un atelier, pas un miracle Il faut dire les choses simplement. Aucun logiciel de notation ne remplace une culture solide de l’écriture musicale. Dorico aide beaucoup. C’est vrai. Son approche par règles de gravure, ses automatismes, sa logique d’ensemble et même sa fonction de Vérification vont dans le bon sens. C’est intelligent. C’est utile. Cela peut attirer l’attention sur des problèmes que l’utilisateur n’avait pas vus. Mais non, la Vérification de Dorico ne remplace pas un regard formé. Elle peut signaler. Elle ne juge pas à ta place. Elle ne sait pas toujours si la page respire. Elle ne sait pas ce que ressent un musicien face à une partie trop dense. Elle ne sait pas si une indication doit être déplacée pour des raisons de confort réel. Elle ne sait pas tout ce qui relève de l’expérience, du goût, de la pratique et du bon sens. Le logiciel aide. L’utilisateur décide. Finale, Sibelius, MuseScore et Dorico ne sont pas des professeurs de gravure. Ce sont des ateliers plus ou moins bien rangés. Certains disposent de meilleurs outils. Certains obligent à contourner plus souvent. Certains facilitent les bonnes pratiques. D’autres laissent plus volontiers l’utilisateur se fabriquer lui-même un petit désastre. Mais dans tous les cas, la qualité finale dépend encore largement de celui qui travaille. Les vrais livres commencent là où les querelles s’arrêtent C’est précisément pour cela que certains ouvrages restent essentiels. Quand on ouvre Behind Bars d’Elaine Gould, on change d’air. On quitte l’univers des opinions rapides pour entrer dans celui des principes. On parle de lisibilité, d’usage, de cohérence, de conventions, d’élégance et de logique éditoriale. Cela fait du bien. C’est presque médical. Même chose avec The Art of Music Engraving de Ted Ross. Là encore, on se retrouve face à une pensée de la page, de la clarté, de la reproduction, de la transmission musicale. On sort du réflexe “mon logiciel sait-il faire ceci ?” pour revenir à une question bien plus sérieuse : “qu’est-ce qu’une partition professionnelle ?” Et c’est sans doute là que beaucoup d’utilisateurs auraient intérêt à se faire un peu violence. Non pas pour devenir des fanatiques du micron ou de la hampe sacrée, mais pour comprendre que la gravure ne commence pas avec un bouton. Elle commence avec une culture. Nous aimons parfois accuser l’outil pour éviter de revoir nos bases Soyons honnêtes. C’est un réflexe assez humain. Quand une partition fonctionne mal, il est plus confortable d’accuser le logiciel. Cela évite de se demander si l’on maîtrise vraiment les conventions de gravure. Cela évite aussi de reconnaître qu’on a parfois appris “sur le tas”, à coups de tutoriels, d’habitudes héritées et de petites bidouilles empilées au fil du temps. Or ces bricolages finissent par produire un curieux phénomène. On sait faire, mais on ne sait pas toujours pourquoi. On sait corriger, mais on ne sait pas toujours juger. On sait obtenir un résultat, mais pas forcément construire une page convaincante du premier coup. Le logiciel devient alors un paratonnerre idéal. On lui prête des pouvoirs magiques quand tout va bien et des responsabilités écrasantes quand tout va mal. Petite tambouille intellectuelle bien pratique. Le vrai progrès serait peut-être moins logiciel que culturel Il serait sans doute temps de remettre la culture de gravure au centre. Pas pour nier l’importance des outils. Pas pour faire semblant que toutes les solutions se valent. Pas pour jouer les gardiens grincheux d’un temple invisible. Mais pour rappeler une évidence. Une belle partition naît d’abord d’une pensée claire. Ensuite seulement viennent les fonctions, les options, les automatismes et les raffinements techniques. On gagnerait tous à parler davantage de lisibilité, de respiration, de conventions, de hiérarchie visuelle, d’économie de signes, d’usage instrumental, de cohérence éditoriale. On gagnerait aussi à relire plus sur papier, à confronter les pages à de vrais musiciens, à écouter ce que la lecture réelle dit d’une mise en page. Parce que dans le monde réel, une partition n’est pas évaluée par un forum. Elle est lue par un musicien. Et le musicien, lui, se moque éperdument de savoir si ta collision a été corrigée dans Dorico, Sibelius, Finale ou MuseScore. Il veut juste lire sans jurer. Pour terminer La guerre des logiciels de notation musicale a quelque chose de commode. Elle permet de discuter pendant des heures sans toucher au cœur du sujet. Oui, les logiciels comptent. Oui, certains sont meilleurs que d’autres pour certains travaux. Oui, Dorico pousse aujourd’hui très loin la logique des règles de gravure. Oui, MuseScore a changé la donne. Oui, Finale a longtemps structuré le paysage. Oui, Sibelius reste un outil central pour beaucoup. Mais non, aucun logiciel ne remplacera une vraie culture de l’écriture musicale. Le débat utile ne consiste donc pas seulement à demander quel logiciel est le meilleur. Il consiste à se demander si nous savons vraiment ce qui rend une partition lisible, élégante et professionnelle. Et c’est peut-être là que le sujet devient un peu piquant. Car si nous passions moins de temps à râler contre les logiciels et un peu plus à étudier la gravure, nous produirions sans doute de meilleures partitions. Même avec les outils actuels. Même avec leurs limites. Même avec leurs lubies. Même avec leurs boutons parfois rangés par un esprit facétieux. Le logiciel n’est pas innocent. Mais il n’est pas toujours le coupable principal non plus.

The postDorico, Finale, Sibelius, MuseScore… et si le problème, c’était nous ? first appeared on Jipiblog.

Finale a dominé pendant trente ans. Dorico est développé par d’anciens de Sibelius. MuseScore bouleverse le modèle économique. Sibelius continue sa route. Ce paysage n’est pas une succession de morts et de triomphes. C’est un écosystème en tension permanente. La vraie question devient alors presque philosophique. Cherchons-nous le meilleur logiciel… ou celui qui nous rassure ? Dans le monde réel, un logiciel triomphe rarement parce qu’il est parfait. Il triomphe parce qu’il s’insère dans des habitudes, des institutions, des budgets et des formations existantes. La gravure musicale n’est pas une religion. C’est un compromis entre technique, économie et inertie humaine. Analyse d’un basculement qui dépasse la simple guerre des logiciels. Finale est mort, Dorico triomphe… et si on se trompait tous ? L’annonce de la fin de développement de Finale a provoqué une onde de choc. Certains ont parlé de séisme. D’autres de libération. Dans le même temps, Dorico s’impose comme le successeur naturel. Moderne. Structuré. Ambitieux. MuseScore poursuit sa progression spectaculaire. Gratuit. Stable. De plus en plus crédible. Et pendant que tout le monde débat, Sibelius continue d’exister tranquillement. La question mérite d’être posée franchement. Confond-on innovation marketing et véritable révolution de la gravure musicale ? Finale est mort. Mais de quoi est-il vraiment mort ? Finale a dominé la notation musicale pendant plus de trente ans. Des catalogues éditoriaux entiers reposent sur son format propriétaire. Des générations ont appris à penser la gravure à travers ses outils. Mais ces dernières années, le logiciel évoluait peu. Les mises à jour étaient prudentes. L’architecture vieillissait. Beaucoup l’utilisaient encore. Mais combien exploitaient réellement ses fonctions avancées ? Finale est-il mort brutalement… ou lentement, à petit feu, sous le poids de sa propre inertie ? Pourquoi Makemusic annonce la fin de Finale ? La nostalgie n’est pas un argument technique. C’est une émotion. Dorico triomphe. Mais dans quel usage réel ? Dorico apporte une approche différente. Moteur de gravure puissant. Logique interne cohérente. Séparation claire entre musique et mise en page. Conceptuellement, c’est brillant. Mais regardons le quotidien. La majorité des utilisateurs saisissent des notes. Corrigent des collisions. Ajustent des espacements. Exportent un PDF. La révolution est-elle dans le moteur de calcul… ou dans le discours qui l’entoure ? Dorico améliore réellement certaines tâches complexes. Les partitions orchestrales lourdes en bénéficient. Les flux de travail avancés gagnent en cohérence. Mais pour une partition pédagogique à quatre portées, la différence change-t-elle radicalement la vie ? La question mérite d’être posée sans dogmatisme. Sibelius, le vétéran qui refuse de disparaître Dans ce débat présenté comme un duel Finale contre Dorico, Sibelius occupe une position fascinante. Il a déjà connu sa crise. Rachat par Avid. Départ de l’équipe historique. Naissance de Dorico par ses anciens développeurs. Un vrai feuilleton industriel. Pourtant, Sibelius est toujours là. Installé dans les conservatoires. Présent dans les écoles. Adopté dans le monde anglo-saxon. Stable. Productif. Efficace. On parle souvent de révolution. Mais une grande partie du marché choisit simplement la continuité. Sibelius n’est peut-être plus à la mode. Mais il fonctionne. Et dans le monde réel, cela suffit souvent. MuseScore, la démocratie silencieuse Pendant que les professionnels débattent, MuseScore équipe des milliers d’élèves, d’enseignants et d’arrangeurs. La version 4 a marqué un tournant. Le moteur audio progresse. L’interface s’améliore. La compatibilité MusicXML se consolide. MuseScore n’a pas le prestige académique de ses concurrents payants. Mais il a quelque chose de redoutable. L’accessibilité. La gratuité change le rapport au risque. On peut essayer. On peut adopter. On peut diffuser massivement. La révolution la plus profonde est peut-être économique. Les flux de travail réels comptent plus que les slogans Une révolution se mesure à l’usage quotidien. Pas aux démonstrations sur scène. Dans la réalité, les utilisateurs veulent trois choses. Rapidité. Stabilité. Livraison propre. Très peu exploitent 100 pour cent des fonctions avancées d’un logiciel de notation. La majorité produit des partitions pédagogiques. Des arrangements standards. Des relevés. Des supports de répétition. Le marketing parle d’intelligence de mise en page. L’utilisateur parle de délai. Ce décalage est intéressant. Migration et fatigue cognitive Changer de logiciel ne signifie pas seulement apprendre de nouveaux raccourcis. Il faut reconstruire des automatismes. Modifier des réflexes. Réorganiser sa manière de penser la page. Cette fatigue cognitive est rarement évoquée. Pourtant elle est réelle. Il faut aussi convertir des archives. Faire confiance au MusicXML. Corriger les différences de rendu. Vérifier chaque détail. Le coût invisible du changement est souvent sous-estimé. Formats propriétaires et dépendance Finale avait son format. Dorico a le sien. Sibelius aussi. Un catalogue enfermé dans un format propriétaire devient fragile. Que devient une archive dans vingt ans ? Qui garantit la lisibilité future ? La vraie révolution ne serait-elle pas dans les formats ouverts, dans la pérennité, dans l’archivage durable ? La gravure musicale n’est pas seulement un outil de production. C’est aussi un enjeu patrimonial. Innovation marketing ou révolution culturelle ? Le récit dominant parle de nouvelle ère. De rupture historique. De triomphe technologique. Pourtant, les partitions restent imprimées en A4. Les musiciens jouent encore sur pupitre. Les éditeurs livrent toujours des PDF. La transformation est réelle sur le plan logiciel. Mais elle est peut-être moins spectaculaire qu’on le prétend. Finale disparaît. Dorico progresse. Sibelius tient bon. MuseScore s’installe. Ce paysage ne ressemble pas à une guerre sainte. Il ressemble à un écosystème en tension. Et si la vraie révolution n’était pas logicielle, mais culturelle ? Cherchons-nous le meilleur logiciel… ou celui qui confirme nos habitudes ? Dans le monde réel, un outil triomphe rarement parce qu’il est parfait. Il triomphe parce qu’il s’insère dans des institutions, des budgets, des formations et des habitudes. La gravure musicale n’est pas une religion. C’est un compromis permanent entre technique, économie et inertie humaine. La question reste ouverte. Et c’est peut-être ce qui rend ce moment passionnant.

The postFinale est mort, Dorico triomphe… vraiment ? first appeared on Jipiblog.

Les logiciels de notation n’ont jamais été aussi puissants. Mais comprennent-ils vraiment la musique qu’ils affichent ? Ce que les logiciels de notation font bien aujourd’hui… et ce qu’ils ne font toujours pas, voire pas encore Les logiciels de notation musicale ont fait des progrès spectaculaires ces vingt dernières années. Ils sont rapides, puissants, précis. Ils savent gérer des partitions complexes, des effectifs énormes, des mises en page sophistiquées. Pourtant, malgré cette maturité technologique, un sentiment persiste chez beaucoup d’utilisateurs. Tout n’est pas encore fluide. Tout n’est pas encore évident. Et certaines promesses restent en suspens. Ce billet propose un état des lieux honnête. Ni nostalgique, ni béatement technophile. Juste une photographie du présent, avec ses réussites, ses angles morts et ses chantiers ouverts. Des moteurs de gravure devenus très solides Aujourd’hui, la qualité graphique produite par les logiciels de notation est globalement excellente. Espacements, collisions, alignements, proportions. Le socle est robuste. Sur des partitions standards comme sur des partitions complexes, le résultat est propre et professionnel. Les moteurs savent gérer les cas difficiles. Changements de mesure, polyrythmie, superpositions de voix, indications multiples. Là où l’on passait autrefois un temps infini à corriger, on peut maintenant avancer beaucoup plus vite. Ce progrès est réel. Il a changé la façon de travailler. La gravure n’est plus un combat permanent contre le logiciel. Elle devient un dialogue. Une gestion des grands projets enfin crédible Orchestre, opéra, big band, musique de film. Les logiciels savent désormais gérer des projets lourds sans s’effondrer. Fichiers volumineux, nombreuses parties, extractions multiples. Tout cela fonctionne mieux qu’avant. La séparation entre conducteur et parties est plus fiable. Les mises à jour se répercutent correctement. Le risque de casser une mise en page en corrigeant une note a fortement diminué. C’est un point essentiel pour les compositeurs et arrangeurs professionnels. Le logiciel ne doit plus être un frein logistique. Des workflows plus rapides, mais encore très techniques Les raccourcis clavier, les modes de saisie, les palettes intelligentes. Sur le papier, tout est là pour aller vite. Et dans les mains d’un utilisateur expérimenté, c’est effectivement le cas. Mais la courbe d’apprentissage reste raide. Beaucoup de fonctions puissantes sont mal découvertes. Elles existent, mais restent cachées derrière une logique interne parfois abstraite. Le problème n’est pas tant la complexité que l’écart entre ce que le musicien imagine et ce que le logiciel attend. On pense musique. Le logiciel pense structure, règles, hiérarchie d’objets. La lisibilité musicale reste un sujet fragile Les logiciels savent produire de belles partitions. Mais ils ne savent pas encore vraiment juger de la lisibilité musicale réelle. Une partition peut être graphiquement correcte et musicalement pénible à lire. Densité excessive, informations mal hiérarchisées, accents visuels mal placés. Le logiciel applique des règles. Il ne comprend pas encore le geste instrumental ni la respiration musicale. C’est là que l’œil humain reste indispensable. Et c’est probablement là que les logiciels ont encore le plus de marge de progression. L’audio progresse, mais reste secondaire La restitution sonore s’est améliorée. Les sons sont meilleurs. Les nuances sont mieux interprétées. Pour le travail et la maquette, c’est souvent suffisant. Mais la notation n’est pas l’audio. Les logiciels savent jouer une partition. Ils ne savent pas encore vraiment l’interpréter. Les phrasés, les respirations, les micro-déplacements rythmiques restent artificiels. L’écoute est utile, mais elle ne doit jamais devenir un critère musical décisif. Ce que les logiciels ne font toujours pas, voire pas encore Ils ne comprennent pas le contexte humain. Ils ne savent pas si la partition est destinée à un débutant fatigué, à un pupitre pressé ou à un soliste virtuose. Les logiciels ne savent pas anticiper les erreurs de lecture. Ils ne savent pas dire qu’une page est trop chargée pour être lue en concert. Ils ne savent pas non plus simplifier intelligemment une écriture sans la trahir. L’arrangement automatique reste une promesse plus qu’une réalité. Enfin, ils n’expliquent pas toujours clairement ce qu’ils font. Quand un comportement change, l’utilisateur doit souvent deviner pourquoi. L’illusion de la solution universelle Aucun logiciel de notation ne peut être parfait pour tout le monde. Compositeur contemporain, arrangeur de jazz, enseignant, éditeur, orchestrateur de musique à l’image. Les besoins sont trop différents. Le danger serait de croire qu’un outil peut tout faire sans compromis. La réalité est plus nuancée. Chaque logiciel est une boîte à outils. Pas un cerveau musical. Comprendre cela permet de travailler plus sereinement. Et d’éviter les déceptions inutiles. Un avenir fait d’ajustements plus que de révolutions Les prochaines évolutions seront probablement moins spectaculaires. Moins de grandes annonces. Plus de petits raffinements. Meilleure lisibilité par défaut. Meilleure compréhension des intentions musicales. Meilleure pédagogie intégrée. Ce sont ces détails qui feront la différence. Les logiciels de notation sont devenus adultes. Ils ont encore à devenir vraiment musicaux.  

The postLogiciels de notation : ce qu’ils font bien… et pas encore first appeared on Jipiblog.

Dorico avance sans tapage. Pas de révolution annoncée, mais une stratégie claire. Consolidation, intelligence artificielle utilitaire, intégration profonde avec Cubase. Dix ans après sa naissance, le logiciel de notation de Steinberg parie sur la maturité plutôt que sur l’effet waouh. Une évolution lente, réfléchie, et peut-être plus ambitieuse qu’il n’y paraît. Dorico : un avenir placé sous le signe de la maturité et de la vision Dix ans après sa sortie commerciale, Dorico n’est plus un jeune outsider.L’entretien accordé à Scoring Note par John Barron lors du NAMM 2026 confirme une chose essentielle. Dorico est entré dans une phase de maturité assumée.Moins de promesses spectaculaires. Plus de cohérence. Et surtout une vision technologique très claire. Contrairement à d’autres logiciels de notation qui empilent les fonctions, Dorico avance par consolidation. Chaque brique ajoutée doit s’intégrer dans une architecture pensée sur le long terme. C’est cette logique qui guide aujourd’hui son évolution. Une phase de consolidation après Dorico 6 Depuis la sortie de Dorico 6 au printemps 2025, l’équipe de développement a changé de cadence.L’objectif n’est plus d’impressionner par la nouveauté permanente, mais d’atteindre un niveau de finition irréprochable. À court terme, des mises à jour intermédiaires sont prévues. Elles visent à améliorer l’existant, corriger des points précis et affiner les outils déjà en place.À moyen terme, le discours devient volontairement plus discret. Cette réserve n’est pas un vide. Elle correspond à une phase de travail en profondeur, sur des chantiers structurels qui ne peuvent pas être livrés sous forme de simples ajouts cosmétiques. Cette approche tranche avec la logique marketing habituelle. Elle privilégie la fiabilité et la pérennité du logiciel. Des outils pensés pour le temps réel et les contraintes professionnelles Dorico cible clairement les environnements où le temps est une contrainte absolue. La musique à l’image en est l’exemple le plus parlant. Le Proofreading Panel illustre parfaitement cette philosophie.Il ne s’agit pas d’un gadget. Cet outil analyse la partition et signale automatiquement des problèmes qui, autrement, seraient découverts trop tard. Nuances manquantes, tessitures incohérentes, oublis de gravure. Tout ce qui coûte cher lors d’une répétition devient détectable en amont. La Jump Bar, souvent sous-estimée, va dans le même sens.Elle permet d’accéder à quasiment toutes les commandes par le clavier, sans mémoriser des dizaines de raccourcis. Le logiciel s’adapte à l’utilisateur, et non l’inverse. La charge cognitive diminue. Le flux de travail gagne en fluidité. Autre évolution majeure, l’intégration du moteur de notation de Dorico dans Cubase.Cette convergence change profondément la relation entre notation et production audio. La partition n’est plus une étape séparée. Elle devient un élément central du processus de création. La vision technologique de Dorico La partie la plus intéressante de l’entretien concerne sans doute la vision à long terme. Elle permet de comprendre pourquoi Dorico évolue à son rythme. Une architecture pensée dès l’origine Dorico repose sur une ossature logicielle conçue pour durer.Certaines fonctions, comme le condensing ou les cutaways, n’ont pas été bricolées a posteriori. Leur logique était présente dans le code dès les premières années de développement. La séparation en modes distincts n’est pas qu’un choix ergonomique. C’est une stratégie de gestion de la complexité.Elle permet d’intégrer des fonctions avancées sans fragiliser l’ensemble. Là où d’autres solutions empilent des extensions ou des scripts, Dorico privilégie des implémentations natives, plus stables et plus prévisibles. L’intelligence artificielle comme outil, pas comme auteur Sur le sujet de l’IA, la position est très claire.Dorico ne cherche pas à générer de la musique à la place du compositeur. L’IA est envisagée comme un assistant technique. Deux axes se dessinent.D’abord, l’automatisation des tâches répétitives. Renommage de pistes, routage complexe, configuration de bibliothèques. Tout ce qui fait perdre du temps sans valeur musicale directe.Ensuite, l’exploration du langage naturel. L’idée n’est pas de masquer la complexité, mais de permettre au logiciel de traduire une intention claire en actions concrètes. Un point important est souvent oublié. L’équipe insiste sur le contrôle de l’intégrité.Contrairement aux modèles généralistes capables d’inventer des fonctions inexistantes, Dorico vise une IA consciente de l’état réel du logiciel. Pas d’hallucinations. Pas de commandes fantômes. Réalisme sonore et interopérabilité Le rendu sonore évolue lui aussi.Plutôt que d’alourdir le système avec des bibliothèques gigantesques, Dorico s’intéresse à des technologies de modélisation, comme Synthesizer V pour les voix chantées. L’objectif reste le même. Offrir plus d’expressivité sans complexifier le travail de l’utilisateur.Dans cette optique, l’IA pourrait jouer un rôle clé pour rendre exploitables des bibliothèques tierces complexes, sans passer par des configurations manuelles interminables. Dorico au cœur de l’écosystème Steinberg et Yamaha Dorico n’est plus un logiciel isolé.Il s’inscrit désormais dans un écosystème global porté par Steinberg et Yamaha. L’intégration dans Cubase, l’évolution du matériel et la cohérence entre notation et production dessinent un changement de paradigme.La partition redevient un objet central, même dans les environnements orientés MIDI et audio. Une évolution lente, mais assumée Le message final est limpide.Dorico ne court pas après l’effet d’annonce. Il avance avec méthode. Cette lenteur apparente est le prix d’une architecture solide et d’outils réellement utilisables en situation professionnelle. Le slogan « More time for music » Plus de temps pour la musique n’est pas un argument marketing.C’est une ligne directrice technique. Réduire les frictions. Éliminer les erreurs. Redonner du temps à la musique, pas à la manipulation du logiciel.  

The postAvenir de Dorico : maturité, IA et vision technologique first appeared on Jipiblog.

Le NAMM Show 2026 confirme l’évolution progressive des logiciels de notation musicale. Entre continuité des outils historiques, intégration accrue de la notation dans les DAW modernes, lecture des partitions sur tablette et progrès mesurés de la transcription automatique, la partition s’inscrit désormais au cœur d’un écosystème numérique plus large, entre écriture, audio et affichage à l’écran.

The postNAMM 2026 : nouveautés des logiciels de notation musicale first appeared on Jipiblog.

Cubase 15 : Steinberg entre dans l’ère de la production assistée par IA Steinberg fait évoluer Cubase vers une intégration totale entre production audio, composition et édition musicale. La version de Cubase 15 introduit une palette d’outils plus créatifs, une interface plus fluide, et surtout une série de modules exploitant l’intelligence artificielle pour analyser, générer et transformer la matière sonore. 1. Une interface et un flux de travail modernisés Cubase 15 repense son Hub de démarrage, qui devient un véritable tableau de bord : création rapide de projets, gestion centralisée des templates, aperçu des derniers enregistrements et réglages audio intégrés. L’interface entière adopte une mise à l’échelle dynamique (“scalable UI”), ce qui garantit une lisibilité optimale sur les écrans haute définition. Le format DAWProject, introduit par Steinberg en 2024, s’enrichit : il permet d’échanger un projet complet (pistes, automation, routing, plug-ins) entre Cubase, Nuendo et d’autres stations de travail compatibles. Ce format ouvert, basé sur XML et fichiers audio standards, ouvre la voie à un écosystème interopérable — une avancée technique importante pour les studios multi-logiciels. 2. Un moteur créatif repensé pour Cubase 15 Le séquenceur mélodique Le Melodic Pattern Sequencer permet de générer et modifier des phrases musicales en mode pas à pas (“step sequencing”). Contrairement à un séquenceur classique, il intègre : des formes de modulation paramétrables, une quantisation adaptative qui s’ajuste à la signature rythmique, et une génération semi-aléatoire pour varier les motifs sans perdre la cohérence tonale. C’est un outil hybride, entre composition algorithmique et écriture contrôlée, particulièrement utile pour créer des grooves, des bass lines ou des textures rythmiques évolutives. Les nouveaux modulateurs Cubase 15 ajoute six modulateurs de nouvelle génération, capables de transformer la texture du son : Wave-folding LFO : plie la forme d’onde au-delà de ses limites pour créer des distorsions harmoniques riches. Sample & Hold : échantillonne des valeurs aléatoires à un rythme défini, produisant des effets glitch ou granuleux. Random Generator : génère une modulation imprévisible, très utile pour les ambiances ou les pads organiques. Chaque modulateur peut désormais être assigné à n’importe quel paramètre audio ou MIDI, permettant des automations complexes autrefois réservées à des synthétiseurs modulaires. 3. L’intelligence artificielle au cœur du mix Séparation de stems par IA Cubase 15 intègre un moteur de séparation de sources audio basé sur l’apprentissage profond : la fonction AI Stem Separation.Le logiciel identifie et isole automatiquement les voix, percussions, basses et instruments harmoniques dans un mixage stéréo.L’utilisateur peut ensuite : exporter chaque piste isolée ; remixer, traiter ou ré-équilibrer des éléments sans session d’origine ; analyser la structure instrumentale d’un morceau existant. Cette technologie repose sur des réseaux neuronaux entraînés sur des millions d’exemples de mix, et s’effectue localement sans connexion cloud. Omnivocal : la voix virtuelle Autre avancée, Omnivocal, une synthèse vocale développée avec Yamaha, permet de générer des voix à partir d’un texte et d’une ligne mélodique MIDI.On entre les paroles, on choisit un style (pop, soul, classique, etc.), et Cubase produit une interprétation chantée. Le moteur gère la diction, le phrasé et le vibrato, ce qui ouvre la porte à des démos vocales sans chanteur.La fonction reste en bêta, mais son potentiel pour la préproduction est indéniable. 4. Notation musicale et compatibilité avec Dorico L’un des progrès majeurs de Cubase 15 se situe dans la notation musicale, domaine souvent négligé dans les stations de travail orientées audio. Amélioration de l’éditeur de partition L’éditeur de partition (Score Editor) bénéficie d’un rendu plus fluide, d’une meilleure lisibilité et de nouveaux outils de mise en forme. Parmi les nouveautés notables : Recalcul automatique de la mise en page lors de l’ajout ou suppression de mesures. Ajustement intelligent des symboles d’expression (dynamique, accents, articulations) selon le zoom et la densité de notes. Affichage contextuel des nuances : Cubase adapte automatiquement la taille et la position des indications de nuances selon l’espacement des portées. Gestion améliorée des polyrythmies et des mesures composées, facilitant la transcription de musique contemporaine ou de jazz. Le moteur graphique de la partition a été entièrement réécrit pour tirer parti du GPU, rendant le défilement et le zoom quasi instantanés, même sur de gros projets orchestraux. Expression Maps 2.0 Les Expression Maps, introduites pour traduire les articulations instrumentales (pizzicato, legato, spiccato, etc.) en commandes MIDI, ont été révisées en profondeur : elles disposent désormais d’un éditeur visuel dédié ; chaque articulation peut inclure un offset temporel (attack delay) afin de synchroniser les changements d’expression avec la lecture ; l’assignation aux contrôleurs MIDI est devenue bidirectionnelle : Cubase lit les changements d’expression provenant d’un instrument virtuel et les affiche dans la partition. Cette refonte rapproche Cubase de la précision expressive qu’offrait jusqu’ici Dorico, le logiciel de notation de Steinberg. Cubase 15 et Dorico C’est probablement la nouveauté la plus stratégique : Cubase 15 et Dorico 6 partagent désormais une base de données commune pour les Expression Maps et les Playback Techniques.Concrètement : les articulations définies dans Dorico sont reconnues et conservées lors de l’import d’un projet dans Cubase ; un export depuis Cubase en format MusicXML ou DAWProject vers Dorico conserve les nuances, les articulations et les repères temporels ; la synchronisation des tempo, timecodes et marqueurs est désormais automatique entre les deux logiciels via la fonction Dorico–Cubase Link. Cette intégration progressive vise un objectif clair : fusionner à terme la composition notationnelle de Dorico et la production audio de Cubase. Steinberg ne le cache plus : le duo Cubase + Dorico est pensé comme une chaîne complète, du score au mix final. Et l’édition MIDI ? L’éditeur MIDI profite aussi de cette cohérence : les dynamiques dessinées dans la partition sont traduites en courbes de vélocité ; les pédales et contrôleurs (CC 1, 11, 64, etc.) s’affichent désormais sous la portée, comme dans Dorico.Cela permet de travailler de manière continue entre la représentation musicale (partition) et la performance réelle (MIDI). 5. Cubase 15 performances, compatibilité et éditions Cubase 15 est disponible en trois éditions : Pro, Artist et Elements.Les fonctionnalités IA (Stem Separation, Omnivocal), les Expression Maps avancées et le lien Dorico sont réservés à la version Pro. Steinberg annonce aussi : une réduction de la latence audio grâce à un traitement asynchrone optimisé ; une stabilité accrue en environnement multi-cœur et sur les processeurs Apple Silicon ; une compatibilité totale avec VST 3.7, le nouveau standard d’effets et d’instruments maison. 6. En résumé Cubase 15 se distingue non seulement par ses fonctions IA mais aussi par une véritable maturation de son écosystème d’écriture musicale.L’éditeur de partition, souvent perçu comme un maillon faible dans les DAW, devient un outil viable pour la notation sérieuse. Et le pont avec Dorico ouvre des perspectives inédites : écrire une œuvre orchestrale dans Dorico, la produire et la mixer dans Cubase sans perte de données. C’est cette continuité, plus que les gadgets d’IA, qui marque l’évolution stratégique de Steinberg : unifier la création, la notation et la production dans une même chaîne fluide.  

The postCubase 15 : toutes les nouveautés et fonctions IA first appeared on Jipiblog.

capella, un logiciel de notation musicale à l’allemande : solide mais limité Il faut l’avouer : capella (écrit en minuscule par l’éditeur) m’était largement inconnu jusqu’à récemment. Ce logiciel est développé en Allemagne depuis les années 90. Il est très connu outre-Rhin, surtout chez les chorales, les profs de musique et les musiciens amateurs. J’ai voulu y voir clair. Ce que capella fait bien Interface intuitive et saisie rapide capella propose une interface claire, pensée pour une utilisation directe, sans passer par un apprentissage laborieux. On peut saisir les notes à la souris, au clavier ou avec un clavier MIDI. C’est simple et rapide. Les fonctions d’édition sont simples d’accès, et l’ergonomie globale s’adresse autant aux débutants qu’aux habitués de la gravure musicale. Des fonctions pratiques pour l’enseignement et les petites formations Le logiciel permet de gérer facilement plusieurs voix, d’extraire des parties ou d’afficher des vues filtrées. C’est très utile pour les chefs de chœur, les profs de musique ou les groupes instrumentaux légers. capella intègre l’export en PDF, MIDI, MusicXML ou en audio via plug-in. Un écosystème d’outils pédagogiques Autre point fort : capella ne vient pas seul. Il s’insère dans un petit écosystème incluant capella‑scan pour l’OCR musical, audio2score pour la transcription à partir de l’audio, ou encore tonica fugata pour générer automatiquement des fugues. Ces extensions intéressent particulièrement les enseignants ou les musiciens amateurs désireux de gagner du temps. Mais les limites de capella sont réelles Une interface datée, peu adaptée aux exigences modernes Malgré quelques évolutions, capella reste un logiciel dont l’interface montre son âge. L’absence d’un moteur de mise en page automatisée performant limite son usage pour les projets complexes. Il ne propose pas condensation automatique de voix. ni placement typographique avancé comme on en trouve dans les logiciels de gravure professionnelle. Peu de mobilité, peu de collaboration En 2025, ne pas proposer de version mobile ou de solution cloud est un vrai handicap. capella est pensé comme un outil personnel de travail, ce qui le rend peu compatible avec les usages collaboratifs actuels, notamment en contexte éditorial ou de production orchestrale. Pas assez d’options pour les éditeurs ou compositeurs pros La gravure fine, le contrôle des espacements, des alignements, des symboles sur mesure, des styles typographiques personnalisés : tout cela reste assez sommaire, voire inexistant. capella n’est pas conçu pour répondre aux exigences de mise en page d’une partition destinée à l’édition professionnelle ou à l’impression offset. Il s’adresse avant tout à des musiciens qui veulent produire rapidement une partition lisible, mais pas nécessairement esthétiquement irréprochable. Utilisation professionnelle de capella : une portée limitée D’emblée, capella montre ses limites dans les contextes exigeants. Comme éditeur musical, les projets de films, d’éditions critiques ou d’orchestres complets appellent plutôt Dorico ou Finale. D’abord, capella convient aux projets simples. Partitions pédagogiques, chansons, exercices, harmonisations vocales. En revanche, il peine dès que la complexité augmente. Ensuite, la gravure fine manque d’outils avancés. Espacements, alignements, symboles sur mesure. Toutefois, une partition lisible reste rapide à produire. Par ailleurs, la gestion de gros projets reste délicate. Multi‑fichiers, notations complexes, instruments transpositeurs. De plus, les workflows industriels ne sont pas son terrain. Ainsi, capella demeure un bon outil du quotidien. Professeurs, musiciens, petits éditeurs y trouvent leur compte. En bref, pas suffisant pour une édition professionnelle exigeante.   Et capella face à Dorico ? Dorico, lancé en 2016 par Steinberg, a rebattu les cartes de la notation musicale. Pensé pour automatiser un maximum d’opérations, il permet une gravure d’une qualité exceptionnelle sans effort, tout en gérant la complexité des projets orchestraux avec fluidité. Avec ses fonctions avancées (condensation, layouts automatiques, scripts Lua, édition musicale non destructive), sa version iPad, et sa compatibilité totale avec les formats actuels (SMuFL, VST3, MIDI, XML), Dorico s’impose comme la référence haut de gamme. À côté, capella fait figure d’outil artisanal : fiable, simple, accessible, mais réservé à un usage individuel et à des partitions modestes. Synthèse critique de capella Atouts Limites Prix raisonnable pour une licence complète (sans abonnement) Interface vieillissante, moins fluide Bon pour partitions chœur, Schüler, harmonie, guitare Pas de condensation automatique, moins efficace pour grosses partitions orchestrales Outils complémentaires : scan, audio, script, braille Peu d’options de gravure haut niveau Extensions via Python (API accessible) Pas de version mobile, pas de cloud intégré Entrée rapide clavier MIDI, voice‑extraction Interopérabilité moins robuste que Dorico Conclusion capella est un logiciel attachant, stable et rapide à prendre en main. Il offre des outils intéressants pour l’enseignement, la musique vocale et les usages personnels. Mais son manque d’évolutivité, son absence d’automatisation avancée et de mobilité en font un choix de niche, difficilement recommandable pour des usages professionnels exigeants.

The postCapella : que vaut ce logiciel de notation musicale ? first appeared on Jipiblog.

🎛 Dorico et les Condensing Changes : reprendre la main sur l’affichage condensé Dans un billet précédent, on a vu comment activer la condensation automatique dans Dorico pour alléger la partition conducteur : flûtes 1–2 sur une ligne, cors 1 et 2 regroupés, etc.Mais que faire quand le résultat ne nous convient pas ? Quand Dorico sépare deux lignes qu’on voudrait rassembler, ou inversement ?C’est là qu’intervient une fonction un peu cachée, mais diablement utile : les Condensing Changes. 🧭 Pourquoi utiliser les Condensing Changes ? Dorico fait de son mieux pour regrouper les instruments de façon logique et lisible. Mais parfois, selon ce qu’on souhaite éditorialement (ou simplement pour gagner de la place), on veut forcer certains regroupements.Exemples concrets : Tu veux que les hautbois soient toujours sur une seule portée, même s’ils jouent des rythmes différents ; Tu veux que les trompettes soient séparées sur deux portées à un endroit précis (parce qu’il y a des croisements gênants ou des entrées en décalé) ; Tu veux changer le nom d’instrument affiché, ou le faire apparaître différemment à ce système-là. Tout ça se règle avec Condensing Change. Et ça se passe en mode Gravure (Engrave). 🖱 Étape par étape : créer un Condensing Change Passe en mode Gravure C’est ici que tout se passe pour l’affichage fin. Va dans le menu « Engrave » > Condensing Change Tu peux aussi faire un clic droit sur un système et choisir « Condensing Change ». Une boîte de dialogue s’ouvre : Tu y retrouves les instruments condensables (ceux regroupés par Dorico). Tu choisis : Quel système est concerné (à partir de celui cliqué) Quels instruments doivent être condensés ou séparés Le mode de regroupement : Automatique / Toujours ensemble / Toujours séparés Le positionnement des voix : Voix 1/Voix 2, ou laisser Dorico décider Valide : un petit repère orange apparaît en haut du système → tu peux toujours modifier ou supprimer cette Condensing Change. 💡 Astuce : si tu veux revenir au comportement automatique de Dorico à un endroit plus loin, crée une nouvelle Condensing Change en cochant “Utiliser les réglages par défaut”. 🪄 Cas pratiques 🎷 Les saxophones de big band Alto 1 et Alto 2 jouent des parties en imitation. Dorico les sépare sur deux lignes.Mais tu veux qu’ils apparaissent ensemble (pour que le chef voie d’un coup d’œil le jeu d’échos) → Condensing Change → “Toujours ensemble”. 🎺 Les trompettes en fanfare rythmée Trompettes 1 et 2 jouent des rythmes en décalé, mais visuellement c’est trop dense si on les regroupe. Tu forces donc une séparation : “Toujours séparés”. 🎻 Les violons dans un tutti Même chose : tu peux forcer un regroupement temporaire pour alléger un tutti, puis revenir à deux portées quand la polyphonie revient. 🖋 Et les noms d’instruments ? Les Condensing Changes te permettent aussi d’ajuster les noms affichés :Par exemple : “Trompettes” → “Tpt. 1–2” “Cors” → “Cor 1, 2” Ça se gère depuis Layout Options > Staff Labels, mais aussi localement via les Condensing Changes si tu veux affiner à certains endroits précis. 🎯 En résumé Les Condensing Changes donnent un contrôle éditorial total sur l’affichage de ta partition conducteur dans Dorico. ✔️ Regrouper ou séparer les instruments à volonté✔️ Personnaliser l’ordre ou la disposition des voix✔️ Ajuster les noms d’instruments affichés✔️ Optimiser la lisibilité mesure par mesure C’est l’outil rêvé pour transformer une partition automatique en une édition professionnelle. 📌 À noter : les Condensing Changes n’affectent que le layout concerné (généralement le conducteur), et ne changent rien aux parties séparées.  

The postMaîtriser les Condensing Changes dans Dorico first appeared on Jipiblog.