L’intelligence artificielle musicale avance vite. Très vite. Trop vite parfois pour que l’on ait le temps de comprendre ce qui change vraiment. Pendant des mois, on a vu arriver des outils capables de fabriquer des chansons complètes à partir d’un simple texte. On écrit une phrase, on attend quelques secondes, et l’on reçoit un morceau chanté, arrangé, mixé, presque prêt à être publié. C’est spectaculaire. C’est même parfois bluffant. Pourtant, pour un musicien, un arrangeur, un éditeur ou un producteur, il manquait quelque chose d’essentiel : la possibilité de reprendre la main. C’est là que l’export MIDI de Mureka V9 devient intéressant. Non pas parce qu’il ajoute une option technique de plus dans une interface déjà chargée. Mais parce qu’il déplace le centre de gravité. On ne récupère plus seulement un fichier audio figé. On peut récupérer une matière musicale éditable. Des notes. Des accords. Une basse. Une mélodie. Bref, le squelette du morceau. Et pour un musicien, ce détail n’en est pas un. Sommaire De l’audio figé au matériau musical Pourquoi le MIDI change tout Mureka V9 : une IA qui prépare le terrain Le DAW redevient le vrai atelier Ce que cela change pour les musiciens Les limites à garder en tête Vers une IA moins magique, mais plus utile Conclusion De l’audio figé au matériau musical Le problème des générateurs de musique par IA, jusqu’ici, tenait surtout à leur côté “boîte noire”. On envoyait une demande. La machine répondait par un fichier audio. C’était souvent impressionnant, mais difficile à modifier. Bien sûr, certains outils proposent des stems. On peut isoler plus ou moins proprement la voix, la batterie, la basse ou les accompagnements. C’est utile pour remixer ou nettoyer une production. Mais cela reste de l’audio. Une fois que la note est chantée ou jouée, il faut ruser pour la corriger. Avec le MIDI, on change de monde. Une note trop longue peut être raccourcie. Une basse trop bavarde peut être simplifiée. Une suite d’accords peut être enrichie, transposée ou ré-harmonisée. Une mélodie peut être confiée à un autre instrument. Le musicien retrouve un terrain connu. C’est sans doute la vraie nouveauté. L’IA ne livre plus seulement un résultat. Elle fournit un point de départ. Le workflow complet Pourquoi le MIDI change tout Le MIDI n’est pas du son. C’est une information musicale. Il indique quelle note est jouée, à quel moment, avec quelle durée et quelle intensité. Cette différence paraît technique. Pourtant, elle est capitale. Un fichier audio ressemble à une photo. On peut la retoucher, mais l’image existe déjà. Un fichier MIDI ressemble davantage à une partition vivante. On peut la modifier avant de choisir les instruments, les sons, les nuances et l’équilibre final. Dans un contexte de création assistée par IA, cela change tout. Le musicien n’est plus seulement celui qui écoute, trie et accepte. Il devient celui qui corrige, transforme, arrange et signe une véritable direction musicale. C’est particulièrement important pour celles et ceux qui travaillent avec un séquenceur comme Ableton Live, Logic Pro, Cubase, Studio One, Reaper ou Dorico dans une autre logique. Le MIDI peut circuler entre ces environnements. Il peut passer de la production audio à l’écriture. Il peut devenir une base d’arrangement, de relevé ou de partition. C’est aussi là que l’IA commence à devenir moins gadget. Elle ne produit plus seulement une chanson toute faite. Elle peut produire une idée exploitable. Mureka V9 : une IA qui prépare le terrain Mureka V9 est présenté comme un générateur musical fondé sur une approche plus structurée. L’idée n’est pas seulement de fabriquer du son d’un seul bloc. Le système cherche d’abord à organiser la forme du morceau, puis à générer le résultat musical. Cette logique est intéressante. Elle rejoint une évidence que les musiciens connaissent bien. Avant de jouer, il faut souvent penser. Même dans l’improvisation, il y a une forme, une direction, une mémoire harmonique, une respiration. Un bon morceau n’est pas seulement une accumulation de sons séduisants. Il a une architecture. Il avance. Il respire. Il ménage des contrastes. Il sait parfois se taire. Il sait revenir. Si Mureka V9 permet d’exporter une partie de cette organisation sous forme MIDI, alors l’outil devient beaucoup plus sérieux. On ne se contente plus d’écouter une production générée. On peut ouvrir le capot. Et c’est précisément ce que les musiciens attendaient. Le DAW redevient le vrai atelier Dans un workflow classique, le DAW reste l’atelier principal. C’est là que l’on assemble, corrige, agence, mixe et finalise. L’export MIDI de Mureka V9 s’inscrit très bien dans cette logique. On peut imaginer un processus simple. D’abord, on demande à Mureka une idée de morceau. Ensuite, on exporte le MIDI. Puis on importe ce fichier dans son logiciel habituel. À partir de là, tout redevient modifiable. La basse peut être confiée à un instrument virtuel plus crédible. Les accords peuvent passer dans un piano, un Fender Rhodes, un pad ou un quatuor à cordes. La mélodie peut être simplifiée pour devenir chantable. La batterie peut être remplacée par ses propres sons. Ce point est essentiel. Le son de départ devient presque secondaire. Ce qui compte, c’est la qualité de l’idée musicale. Si l’idée est bonne, le musicien peut la refaire sonner avec ses outils. C’est un peu comme recevoir un brouillon harmonique. Il ne faut pas le publier tel quel. Il faut le travailler. Ce que cela change pour les musiciens Pour les musiciens, l’export MIDI ouvre plusieurs usages intéressants. D’abord, il peut servir à débloquer une idée. On cherche une suite d’accords, un motif, une ambiance, une ligne de basse. Mureka propose une matière de départ. Ensuite, le musicien choisit ce qu’il garde. Ensuite, le MIDI permet de changer totalement l’esthétique d’une génération. Une même grille peut devenir un morceau électro, une ballade jazz, une musique de film ou une maquette orchestrale. Tout dépend des sons, du tempo, des articulations et de l’arrangement. Enfin, le MIDI peut aider à analyser ce que l’IA produit. On peut observer les progressions harmoniques, les contours mélodiques, les répétitions, les maladresses. On peut aussi repérer ce qui manque : une vraie respiration, une logique instrumentale, une conduite des voix plus élégante. C’est peut-être ici que l’outil devient le plus intéressant. Il ne remplace pas l’oreille. Il la sollicite. Les limites à garder en tête Il ne faut pas pour autant transformer l’export MIDI en miracle. Un fichier MIDI généré par IA n’est pas automatiquement une bonne composition. Il peut contenir des lourdeurs, des doublons, des notes inutiles ou des enchaînements un peu mécaniques. Le MIDI donne accès aux notes. Il ne donne pas forcément une intention musicale claire. Une suite d’accords peut être correcte, mais plate. Une mélodie peut être fonctionnelle, mais sans caractère. Une basse peut remplir l’espace sans vraiment porter le morceau. Il faut donc garder une exigence musicale. Corriger. Élaguer. Respirer. Supprimer. Réécrire. C’est souvent là que le vrai travail commence. Il faut aussi rester prudent sur les usages professionnels. Les conditions d’utilisation des plateformes d’IA évoluent vite. Avant une exploitation commerciale, mieux vaut vérifier les droits liés au morceau généré, au fichier MIDI exporté et aux éventuels éléments audio conservés. Le MIDI donne de la liberté. Il ne dispense pas de vigilance. Vers une IA moins magique, mais plus utile Le paradoxe est amusant. Plus l’IA devient utile pour les musiciens, moins elle ressemble à de la magie. Un générateur qui livre une chanson complète en une minute impressionne le grand public. Mais un outil qui fournit une grille, une basse, une mélodie et une structure exportables peut être plus précieux pour un créateur exigeant. Pourquoi ? Parce qu’il laisse de la place. Il ne ferme pas le morceau. Il l’ouvre. C’est exactement ce qui rend l’export MIDI de Mureka V9 intéressant. L’IA n’est plus seulement un distributeur automatique de chansons. Elle devient un assistant de composition. Elle propose. Le musicien dispose. Et cette nuance change beaucoup de choses. Conclusion L’export MIDI dans Mureka V9 marque une évolution importante dans les outils de musique générative. Il ne s’agit pas seulement d’obtenir un fichier de plus. Il s’agit de récupérer une matière musicale que l’on peut vraiment travailler. Pour un musicien, c’est fondamental. Le son final n’est pas tout. La note, la phrase, l’accord, la basse, la forme et l’intention restent au centre du travail. C’est pourquoi cette fonction mérite l’attention. Elle montre peut-être une direction plus saine pour l’IA musicale. Moins de fascination pour le morceau fini. Plus de place pour l’atelier, l’oreille et le choix artistique. En clair, Mureka V9 ne devient vraiment intéressant que lorsque l’on ne s’en sert pas pour finir un morceau à sa place. Il devient intéressant quand on l’utilise pour commencer quelque chose. Et c’est probablement là que l’IA musicale a le plus d’avenir.  

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Spotify veut offrir aux fans la possibilité de remixer des chansons avec l’IA. Sur le papier, tout est sous contrôle : droits, consentement, rémunération. Mais derrière le joli discours, une question gratte un peu : depuis quand aimer une chanson consiste-t-il à la passer au mixeur algorithmique ? Spotify et Universal Music Group viennent d’annoncer un accord qui pourrait faire date. L’idée est simple. Des abonnés Premium pourraient bientôt générer des reprises et des remixes assistés par IA à partir du catalogue d’artistes participants. Le tout sous licence, avec consentement, crédit et rémunération annoncés pour les ayants droit. Sur le papier, tout est propre. Trop propre, peut-être. Car derrière les grands mots habituels, une question demeure. La musique est-elle encore une œuvre à écouter, à comprendre, à travailler, à transmettre ? Ou devient-elle un jouet interactif pour abonnés lassés de zapper entre deux playlists ? Spotify présente cette nouvelle fonction comme une manière d’offrir aux fans de nouveaux outils créatifs. Il ne s’agirait plus seulement d’écouter une chanson, mais de la transformer. Une ballade pourrait devenir un titre électro. Un tube pop pourrait finir en pseudo-bossa. Une chanson culte pourrait être passée au mixeur algorithmique, comme une pauvre tomate dans un blender connecté. Et naturellement, tout cela sera probablement présenté comme une révolution. Le fan devient producteur, ou presque Il faut reconnaître à Spotify une certaine constance. Après avoir transformé l’écoute musicale en flux continu, la plateforme semble vouloir transformer le fan en apprenti sorcier. Non pas en musicien. Non pas en arrangeur. Encore moins en compositeur. Plutôt en petit opérateur de prompt, capable de demander à une machine : “fais-moi cette chanson en version triste, tropicale, épique, lo-fi, médiévale, ou pourquoi pas en reggae symphonique pour hamster mélancolique”. Le mot “fan” est évidemment très pratique. Il donne une caution affective à l’opération. Le fan aime l’artiste. Il veut jouer avec son œuvre et veut participer. Le fan veut créer… Mais créer quoi exactement ? Un remix généré par IA n’est pas forcément une création. C’est parfois seulement une variation automatique. Une sorte de déguisement sonore. On garde la célébrité du morceau, on change l’emballage, on ajoute une couche de nouveauté artificielle, et l’on appelle cela une expérience. C’est un peu comme si un musée proposait à ses visiteurs de repeindre La Joconde en style manga fluo, avec supplément payant à l’entrée. On pourrait trouver cela amusant cinq minutes. De là à appeler cela une avancée artistique, il y a une portée, une clé et plusieurs altérations. Le grand mot magique : “expérience” Dans le vocabulaire des plateformes, tout devient une expérience. Écouter un disque ? Trop passif. Lire un livret ? Trop ancien. Découvrir un artiste ? Trop lent. Il faut interagir, personnaliser et même produire son petit contenu dérivé. On ne demande plus à l’auditeur d’écouter mieux. On lui propose de tripoter davantage. C’est toute la nuance. La musique devient un matériau malléable, disponible, modifiable, remixable à la demande. Le morceau n’est plus une proposition artistique. Il devient une pâte à modeler numérique, prête à prendre la forme du caprice du moment. Il y a quelque chose de très contemporain là-dedans. Nous ne savons plus attendre. Nous ne savons plus recevoir une œuvre telle qu’elle a été pensée. Il faut la commenter, la découper, la détourner, la ralentir, l’accélérer, la sous-titrer, la réinjecter dans TikTok, puis maintenant la refaire chanter par une IA. La chanson originale devient presque une matière première. Le fan ne se contente plus d’aimer. Il customise. Consentement, crédit, compensation : les trois mots qui lavent tout Spotify et Universal insistent sur trois principes : consentement, crédit et compensation. En théorie, c’est évidemment mieux que le pillage sauvage des catalogues par des IA entraînées dans un brouillard juridique. Le modèle annoncé repose sur des artistes participants et sur un partage de valeur. Spotify présente d’ailleurs cette fonction comme une nouvelle source de revenus pour les artistes et les auteurs-compositeurs. Très bien. Mais ce trio magique ne règle pas toute la question. Il règle surtout la partie contractuelle. Il ne dit pas grand-chose de la partie artistique. Un remix sous licence peut être légalement propre et musicalement inutile. Une reprise IA peut rémunérer les ayants droit et rester parfaitement consternante. Une plateforme peut respecter les droits tout en encourageant une forme de consommation musicale encore plus paresseuse. C’est même là que le sujet devient intéressant. Le problème n’est pas seulement de savoir qui touche l’argent. Le problème est aussi de savoir ce que l’on fabrique comme rapport à la musique. Le remix était un art, il devient une option de menu Le remix n’a rien de honteux. Au contraire. Il existe une véritable culture du remix. Elle vient du dub, du hip-hop, de la dance music, des DJs, des studios, des producteurs, des bidouilleurs géniaux. Le remix peut révéler une chanson sous un autre angle. Il peut déplacer l’accent, ouvrir une pulsation, faire apparaître une ligne cachée, changer la perception d’une œuvre. Mais il demande une intention. Un bon remix n’est pas seulement “la même chanson avec une autre rythmique”. C’est une lecture. C’est une oreille. C’est parfois une trahison féconde. C’est souvent un choix. Avec l’IA générative intégrée à une plateforme de streaming, le risque est de transformer cet art du déplacement en simple option de menu. Version club. Version acoustique. Version triste. Version années 80. Version salsa. Version “mets-moi un peu de saxophone parce que ça fait chic”. Nous passerions alors du remix comme interprétation au remix comme filtre Instagram. Et chacun pourra admirer son petit chef-d’œuvre automatique, généré en quelques secondes, avec la certitude émouvante d’avoir “créé quelque chose”. Le karaoke était déjà une alerte On pourrait dire que ce n’est pas si grave. Après tout, les amateurs ont toujours aimé se réapproprier les chansons. On chante sous la douche. On massacre des standards au karaoké. On joue trois accords de guitare autour d’un barbecue. Et personne ne songe à appeler la police musicale. La différence, c’est que ces pratiques engageaient au moins un corps. Une voix. Des doigts. Une gêne éventuelle. Un effort, même minuscule. Le karaoké oblige encore à chanter. Mal, parfois. Mais à chanter tout de même. L’IA, elle, permet de déléguer même le massacre. C’est probablement cela, la vraie nouveauté. Nous ne voulons plus seulement éviter l’apprentissage. Nous voulons aussi éviter l’échec. Grâce à l’IA, chacun peut produire un résultat présentable sans passer par l’étape humiliante où l’on sonne faux, où l’on joue en retard, où l’on cherche une modulation, où l’on comprend enfin que la musique résiste. Or cette résistance est précisément ce qui forme l’oreille. La musique sans frottement Les plateformes adorent les expériences sans frottement. Elles veulent que tout soit fluide, immédiat, disponible. Un clic pour écouter. Un clic pour liker. Un clic pour passer. Demain, un clic pour remixer. Mais la musique, la vraie, a besoin de frottement. Elle a besoin de temps. De répétition. De maladresse. De mémoire. De gestes. D’oreille. De culture. Elle a besoin de musiciens qui se trompent, recommencent, corrigent, cherchent un son, déplacent un accent, modifient une nuance. L’IA peut produire un résultat sonore. Parfois bluffant. Parfois amusant. Parfois même utilisable. Mais elle ne remplace pas ce chemin-là. Et c’est peut-être ce chemin que les plateformes aimeraient discrètement faire disparaître, car il est lent, peu scalable, difficile à monétiser et franchement incompatible avec l’économie de l’attention. L’auditeur roi, l’artiste décoratif Le discours officiel sera probablement rassurant. Les artistes seront volontaires. Les droits seront respectés. Les revenus seront partagés. Le fan sera au centre. Tout le monde sera content. Mais il faut écouter ce que cette formule raconte en creux. Le fan est au centre. L’artiste devient une base de données. Son œuvre devient un matériau activable. Sa chanson devient une interface. Son style devient une option. Son catalogue devient un terrain de jeu. C’est une nouvelle étape dans un vieux mouvement. Depuis des années, les plateformes ne vendent plus vraiment des œuvres. Elles vendent des accès, des ambiances, des usages, des moments de vie. Musique pour courir. Musique pour dormir. Musique pour travailler. Musique pour cuisiner. Musique pour simuler une profondeur émotionnelle dans un appartement témoin. Avec le remix IA, on ajoute une couche. Musique à refaire soi-même, sans vraiment la faire. L’artiste n’est plus seulement noyé dans le flux. Il devient modifiable par le flux. Le “superfan” ou le client premium qui s’ennuie La notion de “superfan” mérite aussi un sourire. Le superfan, dans ce nouveau monde, ne serait plus seulement celui qui connaît les faces B, lit les crédits, va aux concerts, achète les vinyles, défend les albums mal aimés et connaît le nom du bassiste. Non. Le superfan moderne serait celui qui paie un supplément pour faire générer une version IA de son artiste favori. On avait connu des définitions plus exigeantes de la passion musicale. Bien sûr, certains feront des choses intéressantes avec ces outils. Il y aura toujours des utilisateurs curieux, intelligents, capables de détourner le dispositif. Mais il ne faut pas confondre les exceptions créatives avec la logique industrielle. La logique industrielle, ici, est limpide. Transformer l’admiration en option payante. Transformer le catalogue en terrain de jeu. Transformer la participation en abonnement supplémentaire. La créativité, dans cette affaire, ressemble surtout à un nouveau bouton dans l’interface. Les majors ont-elles choisi d’encadrer l’IA ou de l’absorber ? Universal Music Group n’est pas naïf. Les majors savent très bien que les IA musicales existent déjà. Elles savent que des plateformes comme Suno ou Udio ont ouvert une brèche. Elles savent que les reprises IA circulent partout. Elles savent aussi que des morceaux générés ou transformés par IA peuvent devenir viraux avant même que les juristes aient retrouvé leurs lunettes. L’accord avec Spotify peut donc se lire comme une tentative d’encadrement. Plutôt que de laisser les usages partir dans tous les sens, autant les canaliser dans un environnement licencié et rémunéré. D’un point de vue économique, cela se comprend. D’un point de vue juridique, cela peut même sembler raisonnable. Mais culturellement, le signal reste troublant. Car une fois que les majors auront intégré l’IA dans leurs propres circuits, elles ne combattront plus vraiment le phénomène. Elles le vendront. Elles le packageront. Elles le rendront acceptable, premium, contrôlé, partageable, probablement très bien marketé. L’IA musicale cessera d’être un problème quand elle deviendra une ligne de revenus. On connaît la chanson. La chanson comme matière recyclable Le plus inquiétant n’est peut-être pas que les fans puissent créer des remixes. Après tout, la reprise et la transformation font partie de l’histoire de la musique. Le plus inquiétant, c’est l’idée que toute œuvre doive désormais rester ouverte, disponible, recombinable, exploitable sous toutes les formes. Comme si une chanson ne pouvait plus simplement exister. Il faudrait qu’elle vive mille vies secondaires. Version accélérée. Version ralentie. Version IA. Version voix synthétique. Version remixée. Version “fan-made”. Version “licensed”. Version “responsible”. Version “interactive”. Version “monetizable”. À force de vouloir prolonger la vie commerciale d’un titre, on risque de l’épuiser symboliquement. Une chanson a parfois besoin d’être respectée dans sa forme. Non par sacralisation excessive, mais parce qu’une forme est déjà une pensée. Un tempo, une tonalité, un arrangement, une voix, un silence, un mixage ne sont pas des accidents. Ce sont des décisions. Quand tout devient modifiable, plus rien ne compte vraiment. L’illusion démocratique On nous expliquera sans doute que ces outils démocratisent la création. C’est l’argument préféré de la tech dès qu’elle veut vendre une nouvelle machine. Mais démocratiser la création ne consiste pas seulement à distribuer des boutons. Cela consiste à donner des moyens de comprendre, de pratiquer, de progresser, de transmettre. Un outil qui fabrique un résultat sans apprentissage peut être amusant. Il n’est pas forcément émancipateur. Il peut même produire l’effet inverse. Il donne l’illusion de créer, tout en éloignant de la pratique réelle. C’est exactement le paradoxe de beaucoup d’outils IA. Ils rendent certaines opérations spectaculaires plus accessibles, mais ils peuvent aussi affaiblir le lien avec les savoir-faire qui leur donnaient du sens. Faire un remix sans connaître l’harmonie, le rythme, la structure, l’orchestration, la dynamique ou le mixage, c’est possible. Mais que reste-t-il alors de l’acte musical ? Une demande. Un résultat. Une satisfaction immédiate. C’est peu. Le vrai fan écoute avant de bidouiller Il ne s’agit pas de défendre une vision poussiéreuse de la musique. Les outils changent. Les pratiques changent. Les musiciens ont toujours détourné les technologies. Le studio multipiste, le sampler, l’autotune, les séquenceurs, les banques de sons et les logiciels de MAO ont tous modifié la création. Mais ces outils ont souvent exigé une forme de compétence. Même quand ils simplifiaient un geste, ils ouvraient un espace de travail. Ils invitaient à expérimenter, à écouter, à corriger. Le danger du remix IA de plateforme, c’est qu’il court-circuite cette dimension. Il remplace le travail par une commande. Il remplace l’écoute par la personnalisation. Il remplace l’imagination par une sélection d’options. Un vrai fan peut évidemment rêver d’entendre une chanson autrement. Mais il peut aussi apprendre à l’écouter telle qu’elle est. À comprendre pourquoi la caisse claire tombe là. Pourquoi la basse retient son attaque. Pourquoi la voix reste fragile. Pourquoi le refrain n’explose pas tout de suite. Ce travail d’écoute vaut mieux qu’un remix automatique. Et les musiciens dans tout ça ? Pour les musiciens, l’affaire laisse un goût étrange. Depuis des années, on leur demande d’accepter des rémunérations minuscules sur le streaming. On leur explique que la visibilité compense. On leur conseille de publier plus souvent. On leur recommande de nourrir les algorithmes. Maintenant, on leur proposera peut-être de toucher quelque chose quand les fans transformeront leurs morceaux avec l’IA. C’est mieux que rien, évidemment. Mais le tableau général reste absurde. La musique enregistrée rapporte peu à beaucoup d’artistes. Les plateformes cherchent sans cesse de nouveaux leviers de croissance. Et l’on finit par inventer des produits qui recyclent les œuvres existantes plutôt que de mieux rémunérer leur écoute normale. On ne règle pas la crise de la valeur musicale. On ajoute une extension. Un peu comme si un restaurant payait mal ses cuisiniers, puis leur proposait un bonus quand les clients remixent eux-mêmes les plats en cuisine avec un robot ménager. La musique devient-elle un jouet ? Oui, en partie. Pas parce que le jeu serait mauvais. Le jeu est essentiel en musique. Improviser, varier, détourner, répondre, transformer : tout cela relève aussi du jeu. Le jazz lui-même repose sur cette capacité à reprendre une matière commune pour en faire autre chose. Mais le jeu musical suppose une écoute, une contrainte, un vocabulaire, un risque. Il suppose un geste. Le remix IA façon plateforme risque de proposer un jeu sans conséquence. Une créativité sans apprentissage. Une transformation sans responsabilité. Un amusement de surface, emballé dans les mots rassurants de l’innovation responsable. La musique devient alors un jouet non parce qu’on joue avec elle, mais parce qu’on oublie qu’elle peut nous jouer quelque chose en retour. Conclusion : le bouton ne fait pas le musicien Spotify et Universal veulent encadrer les reprises et remixes IA. Ils veulent créer une nouvelle économie autour des catalogues. Ils veulent donner aux fans un rôle plus actif. Tout cela peut se défendre sur le papier. Surtout si les artistes concernés ont vraiment leur mot à dire et si les rémunérations sont réelles. Mais il ne faudrait pas confondre encadrement juridique et progrès culturel. Le bouton “remixer” ne fait pas un musicien. Le prompt ne remplace pas l’oreille. Le supplément Premium ne crée pas une relation profonde à l’œuvre. Et la personnalisation automatique n’est pas forcément une forme d’amour musical. Elle peut aussi être le symptôme inverse : l’incapacité croissante à écouter une chanson sans vouloir immédiatement la transformer en produit dérivé de soi-même. Au fond, c’est peut-être cela le plus drôle. On nous vend l’IA musicale comme une ouverture vers l’infini. Mais elle risque surtout de produire des millions de petites versions tièdes, narcissiques et jetables de chansons que l’on n’aura même plus pris le temps d’écouter. La musique méritait mieux qu’un bouton “rejouer avec l’IA”. Elle méritait au moins qu’on appuie d’abord sur “écouter”.

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