J’avoue avoir d’abord regardé Angine de Poitrine avec un léger sourire en coin. Deux silhouettes masquées, une esthétique volontairement absurde, une scénographie qui semble sortie d’un rêve dadaïste mal réveillé, et cette impression immédiate d’assister à quelque chose d’aussi drôle qu’inquiétant. Pourtant, derrière le concept visuel, il y a bien plus qu’un simple gag de scène. Il y a une véritable pensée musicale, un dispositif sonore très construit, et une virtuosité qui force rapidement le respect. Ce qui m’intéresse chez Angine de Poitrine, c’est précisément cette rencontre entre le burlesque, la transe, le rock instrumental, la microtonalité et une forme de précision rythmique presque maniaque. Leur musique semble parfois marcher de travers, mais elle ne trébuche jamais. Elle avance avec une logique interne implacable. On peut être amusé par les masques, troublé par les sons, dérouté par les mesures impaires, mais on finit surtout par être enchanté par la virtuosité musicale du duo. Angine de Poitrine rappelle qu’un concept scénique peut être autre chose qu’un emballage. Chez eux, l’image, le son, le rythme et l’étrangeté forment un tout. C’est cette cohérence qui rend le projet si captivant. On croit entrer dans une farce. On découvre une machine musicale redoutable, hypnotique, instable, et beaucoup plus savante qu’elle n’en a l’air. Une musique drôle en surface, très sérieuse dessous Angine de Poitrine se présente comme un “Orchestre Mantra-Rock Dada Pythago-Cubiste”. On pourrait croire à une posture de potaches masqués. En partie, c’en est une. Le duo assume une dimension satirique du rock, de ses postures héroïques, de ses grimaces de guitar hero et de son goût pour le spectaculaire. Guitar World rappelle que le projet est né comme une sorte de blague interne, avant de devenir une véritable machine musicale. Mais c’est justement là que ça devient intéressant. La farce ne sert pas à cacher une pauvreté musicale. Elle sert au contraire à rendre acceptable une musique qui, sans le déguisement, serait peut-être cataloguée trop vite comme “rock progressif compliqué pour spécialistes”. Le masque ouvre la porte. Le groove retient l’auditeur. La bizarrerie fait le reste. On rit d’abord. Puis on se rend compte que le duo joue très précisément. Puis on finit par se demander pourquoi une musique aussi tordue donne envie de bouger la tête. L’effet hypnotique : la boucle comme rituel Le mot “mantra” n’est pas innocent. La musique d’Angine de Poitrine repose beaucoup sur la répétition. Khn de Poitrine construit les morceaux par couches, avec une guitare-basse à double manche et un looper. Il empile une ligne de basse, un motif de guitare, puis d’autres fragments. Une fois la boucle installée, le morceau ne peut plus vraiment moduler comme une chanson traditionnelle. Il peut surtout ajouter, retirer, densifier ou relancer. Ce système produit une sensation très particulière. D’un côté, l’auditeur est rassuré par la répétition. Le motif revient. Le corps trouve un point d’appui. De l’autre, ce motif est souvent bancal, irrégulier, accentué à contretemps, ou inscrit dans une mesure inhabituelle. Résultat : on est accroché, mais jamais installé. C’est exactement ce qui rend cette musique envoûtante. Elle fonctionne comme une transe, mais une transe géométrique. Ce n’est pas le tapis moelleux d’un groove funk traditionnel. C’est une mosaïque de petits carreaux mal alignés, qui finit pourtant par former un dessin cohérent. Le dérangement : la microtonalité comme grain de sable L’autre élément majeur, c’est la microtonalité. Leur instrument divise l’octave en 24 parties au lieu des 12 demi-tons habituels. Autrement dit, entre deux notes du piano, ils peuvent glisser une note intermédiaire, un quart de ton. MusicRadar décrit cette approche comme un système 24-TET, soit 24 divisions égales de l’octave. Pour une oreille occidentale habituée au tempérament égal classique, cela crée une friction immédiate. Les notes ne sont pas “fausses” au sens maladroit du terme. Elles sont volontairement placées dans une zone instable. Elles semblent parfois tirer vers une note attendue sans jamais y arriver. Elles flottent entre deux repères. C’est là que la musique devient dérangeante. Elle donne à entendre une justesse alternative. Le cerveau attend une résolution. Le duo lui donne une grimace. Ce n’est pas une grimace gratuite. C’est une grimace structurée. Cette microtonalité ajoute un parfum oriental, moyen-oriental ou asiatique, mais Angine de Poitrine évite plutôt le pastiche exotique. Selon MusicRadar, leur vocabulaire reste fortement ancré dans le prog rock, le rock instrumental et le jazz modal, malgré l’usage d’un accordage inhabituel. Le rythme : pas seulement compliqué, mais dansant On parle beaucoup de math rock à leur sujet. Le terme est pratique, mais parfois trompeur. Il laisse croire à une musique faite pour compter, pas pour sentir. Or Angine de Poitrine fonctionne parce que les mesures impaires ne tuent pas la danse. Elles la déplacent. MusicRadar relève plusieurs organisations rythmiques caractéristiques : Sarniezz serait en 4/4 avec une sensation ternaire proche du 12/8, Mata Zyklek en 10/4, Fabienk pouvant s’entendre comme un 7/4 étrangement groupé ou un 28/4 plus large, et Sherpa en 17/4. Ce n’est pas seulement une affaire de chiffres. L’essentiel se joue dans les groupements internes. Un 10/4, par exemple, peut être ressenti comme 5 + 5, 3 + 3 + 4, 4 + 3 + 3, ou encore 2 + 2 + 3 + 3. Selon l’accentuation, le même nombre de temps produit une sensation très différente. Chez Angine de Poitrine, les accents semblent souvent se poser légèrement à côté de ce que le corps attend. Le motif donne une impulsion, puis la contredit. La batterie joue alors un rôle capital : elle maintient l’énergie, mais elle ne gomme pas l’étrangeté. Elle rend le déséquilibre praticable.   Polyrythmie ou illusion polyrythmique ? Il faut être prudent avec le mot polyrythmie. Dans le sens strict, une polyrythmie désigne la superposition de divisions rythmiques différentes, par exemple 3 contre 2, 5 contre 4, 7 contre 3. Chez Angine de Poitrine, l’effet ressenti vient souvent autant de la polymétrie apparente que de la polyrythmie pure. Pourquoi ? Parce que les boucles de guitare et de basse peuvent suggérer un cycle, tandis que la batterie en fait entendre un autre. Même si tout retombe mathématiquement ensemble, l’oreille ne sait plus toujours où placer le “un”. On a l’impression que les couches se décalent. Le corps suit un motif. La tête en compte un autre. C’est ce frottement qui crée l’ivresse. Une ligne de basse peut sembler obstinée, presque mécanique. La guitare ajoute une figure anguleuse. La batterie accentue ailleurs. Puis tout se rejoint soudain, comme si le puzzle venait de se refermer. L’auditeur a alors le plaisir enfantin du retour à la maison, après avoir cru se perdre. La batterie : le garde-fou du chaos Dans ce duo, la batterie n’est pas un simple accompagnement. Elle sert de médiateur entre l’architecture folle des boucles et le corps de l’auditeur. Klek de Poitrine joue souvent avec une grande lisibilité d’attaque. Même quand la mesure est impaire, le son reste physique, sec, presque dansant. C’est fondamental. Une musique microtonale, masquée, instrumentale, bourrée de mesures asymétriques pourrait devenir un exercice de style. Ici, la batterie évite ce piège. Elle donne une colonne vertébrale au bazar. Elle transforme le calcul en propulsion. On pourrait dire que la guitare-basse fabrique le labyrinthe, tandis que la batterie distribue des miettes de pain. Pourquoi c’est envoûtant La musique d’Angine de Poitrine est envoûtante parce qu’elle combine trois forces rarement réunies avec autant d’efficacité. D’abord, la répétition. Les boucles créent une mémoire immédiate. On reconnaît le motif. On l’attend. On s’y attache. Ensuite, le groove. Même dans les mesures impaires, il y a une énergie corporelle. Ce n’est pas de la complexité posée sous vitrine. Ça avance. Enfin, le mystère. Les masques, les costumes, l’anonymat, les titres absurdes, les onomatopées et la mise en scène construisent un univers complet. El País souligne d’ailleurs que leur viralité est d’autant plus étonnante qu’elle repose sur une prestation longue, instrumentale et peu commerciale, loin du format court calibré pour les réseaux. Le public n’écoute pas seulement un groupe. Il entre dans un phénomène. Pourquoi c’est dérangeant C’est dérangeant parce que tout y est légèrement déplacé. La justesse est déplacée par les quarts de ton.La pulsation est déplacée par les mesures impaires.L’identité des musiciens est déplacée par les masques.Le rock est déplacé par la satire.La virtuosité est déplacée par le ridicule assumé. Et surtout, la musique refuse de choisir entre sérieux et farce. C’est peut-être ce qui trouble le plus. On ne sait jamais si l’on regarde deux clowns très compétents ou deux virtuoses qui ont compris que le clown était la forme la plus efficace de la liberté. Une réponse humaine à l’époque des musiques lisses Il y a aussi un contexte. À l’heure où beaucoup de productions semblent de plus en plus propres, quantifiées, corrigées, optimisées, Angine de Poitrine rappelle que la musique peut encore être bizarre, physique, imparfaite dans son apparence, mais extrêmement maîtrisée dans son geste. Leur succès dit quelque chose de notre fatigue face aux musiques trop polies. Ici, les aspérités ne sont pas des défauts. Elles sont le sujet même. Les quarts de ton grattent. Les mesures impaires boitent. Les masques inquiètent. Et pourtant, ça danse. C’est peut-être ça, le secret : Angine de Poitrine fabrique une musique qui a l’air malade, mais dont le cœur bat parfaitement. Pour terminer Angine de Poitrine fascine parce que le duo réussit une équation rare : une musique expérimentale qui ne renonce pas au plaisir immédiat. On peut l’écouter comme un objet rythmique complexe, comme une blague dadaïste, comme un numéro de cirque inquiétant, ou simplement comme un groove qui refuse de marcher droit. Leur musique est envoûtante parce qu’elle répète. Elle est dérangeante parce qu’elle répète de travers. Elle accroche parce qu’elle donne au corps une pulsation, puis retire au cerveau ses repères habituels. En somme, Angine de Poitrine, c’est un peu le rock progressif après une nuit blanche au carnaval : des pois noirs et blancs, des mesures impossibles, des quarts de ton qui grincent, et cette impression rare d’entendre quelque chose que l’algorithme n’avait pas prévu.

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Carte Blanche : une invitation à l’improvisation à l’accordéon Carte Blanche est bien plus qu’un simple recueil de partitions pour accordéon. C’est un véritable terrain de jeu musical conçu par Philippe Picot, qui mêle pédagogie, liberté et diversité stylistique. À travers ce volume richement structuré, l’auteur propose une initiation progressive à l’improvisation, tout en explorant des couleurs musicales allant du jazz à la valse swing, du tango à la musique latine. Ce recueil est une extension directe de l’album éponyme Carte Blanche (Muse 005), dont il reprend les compositions originales en versions adaptées pour accordéon à basses standard. Une attention particulière est portée à l’écriture de la main gauche, offrant deux types de notations complémentaires pour une lecture adaptée à tous les niveaux : notation chiffrée et notation pleine. Un contenu pédagogique complet et clair Outre les 13 pièces originales, l’ouvrage propose de solides bases théoriques : Une introduction à la construction des accords en basses standard (systèmes 3/3 et 4/2) Des tableaux récapitulatifs des combinaisons d’accords Une explication progressive de l’improvisation Un guide des gammes adaptées à chaque morceau Une présentation détaillée des registres de l’accordéon Philippe Picot y déconstruit l’idée reçue selon laquelle l’improvisation serait un don inné, et prouve qu’avec des outils adaptés, tout musicien peut apprendre à improviser, même en solo, sur son accordéon. Un recueil inspirant pour musiciens curieux Les morceaux — Jazzy Java, Confidences, Cores do Brazil, La Molinera, Glace merengue, pour ne citer qu’eux — sont pensés pour susciter l’envie d’explorer. En outre, chacun d’eux inclut des chorus écrits, mais laisse également « carte blanche » à l’interprète pour créer les siens, guidé par les grilles et suggestions de gammes. En complément, des pistes audio d’accompagnement sont disponibles sur le site de l’auteur, pour un travail rythmique et harmonique encore plus efficace. Carte Blanche Pour qui ? Pourquoi ? Ce recueil s’adresse : Aux accordéonistes curieux de s’initier à l’improvisation Aux enseignants en quête d’outils pédagogiques modernes À tous ceux qui veulent jouer autrement, dans des styles variés Carte Blanche est une méthode vivante, ouverte, qui fait dialoguer la technique et la liberté musicale. Qui est Philippe Picot ? Philippe Picot est un musicien et pédagogue d’exception. Son approche est à la fois technique et profondément musicale, rendant l’apprentissage accessible et stimulant. Ses autres ouvrages, comme la « Méthode de bandonéon unisonore » ou « La technique du bandonéon chromatique« , sont déjà des références. « Carte Blanche » est même un recueil de partitions de son propre CD éponyme, « Carte Blanche » (Muse 005). 📘 Disponible chez 2Mc Éditions (24€) 📍 Découvrir et commander le recueil sur le site   📀 Retrouvez également le CD original Carte Blanche sur le site de Philippe Picot

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