Le jazz ne s’est jamais écrit au masculin seul. À l’occasion du 8 mars, retour sur les femmes qui ont façonné son histoire, des pionnières aux grandes musiciennes d’aujourd’hui. Les femmes qui ont façonné l’histoire du jazz Le 8 mars, Journée internationale des femmes, n’est pas seulement une date symbolique. C’est aussi une excellente occasion de remettre un peu de vérité dans le grand récit du jazz. Cette musique a souvent été racontée comme une aventure surtout masculine, peuplée de chefs d’orchestre, de souffleurs héroïques et de génies bien installés dans les manuels. Pourtant, sans les femmes, l’histoire du jazz serait non seulement incomplète, mais franchement fausse. Les Nations Unies rappellent d’ailleurs que cette journée vise à renforcer l’égalité des droits et la justice pour les femmes et les filles. Pendant longtemps, le récit dominant a surtout retenu les grandes chanteuses. Bien sûr, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Sarah Vaughan ou Nina Simone sont des figures majeures. Mais réduire la place des femmes dans le jazz à quelques voix mythiques serait une vision trop étroite. Des pianistes, compositrices, arrangeuses, batteuses, trompettistes, cheffes d’orchestre et contrebassistes ont aussi déplacé les lignes de cette musique, parfois dans une discrétion injuste, parfois contre tout un système. C’est là que l’histoire devient bien plus intéressante. Et, disons-le, bien moins poussiéreuse. Des pionnières qui ne furent pas de simples silhouettes Dans les premiers récits du jazz, les femmes apparaissent souvent au second plan, comme si elles avaient accompagné le mouvement sans vraiment le construire. C’est une vieille fable pratique, mais une fable tout de même. Mary Lou Williams, par exemple, fut une pianiste, compositrice et arrangeuse de tout premier plan. Britannica rappelle qu’elle a joué avec et composé pour nombre des grands artistes des années 1940 et 1950. Son importance dépasse de loin le rôle de témoin privilégié. Elle a été une force active de transformation dans le swing comme dans le bebop. On pourrait dire la même chose de Lil Hardin Armstrong, trop souvent réduite à son lien avec Louis Armstrong alors qu’elle fut elle-même pianiste, compositrice et actrice décisive de la scène de Chicago. Ce mécanisme d’effacement a été fréquent dans l’histoire du jazz. On a souvent mieux retenu le nom du mari, du leader ou de la vedette que celui de la musicienne qui écrivait, accompagnait, organisait ou ouvrait des chemins esthétiques nouveaux. L’histoire culturelle a parfois la délicatesse d’un éléphant dans un magasin de cymbales. Les grandes voix ont changé la musique, pas seulement le chant Impossible de parler des femmes dans le jazz sans évoquer les grandes chanteuses, car elles ont redéfini bien plus qu’un simple art vocal. Ella Fitzgerald a porté l’improvisation chantée à un niveau de liberté et de précision qui l’a rapprochée du langage des instrumentistes. Billie Holiday a transformé le rapport au texte, au phrasé et au temps. Sarah Vaughan a imposé une sophistication harmonique rare. Nina Simone a fait exploser les frontières entre jazz, blues, classique, chanson engagée et conscience politique. Ces artistes n’ont pas seulement incarné le jazz. Elles l’ont élargi. Mais il faut éviter le piège. Si l’on s’arrête à ces noms, on risque de construire un bel autel mémoriel tout en oubliant le reste du chantier. Le jazz n’est pas uniquement une affaire de voix légendaires. C’est aussi une histoire d’écriture, d’orchestre, de batterie, de piano, de trompette, de contrebasse et de composition. Autrement dit, une affaire de femmes musiciennes à part entière, et pas seulement de chanteuses que l’on admire avec des trémolos de musée. Les femmes instrumentistes ont écrit l’histoire du jazz C’est ici qu’il faut franchement rééquilibrer le récit. Les femmes instrumentistes ne sont pas une annexe de l’histoire du jazz. Elles en sont l’un des moteurs. Mary Lou Williams, encore elle, reste un cas exemplaire. Son parcours traverse plusieurs époques du jazz et montre qu’une femme pouvait non seulement jouer, mais aussi composer, arranger, enseigner et penser la musique à grande échelle. Son œuvre Zodiac Suite est souvent citée comme l’une de ses grandes réalisations, preuve que son ambition musicale dépassait largement le cadre du club ou du format standard. Au XXe siècle finissant et au début du XXIe, Carla Bley a incarné une autre manière de faire bouger le jazz. Compositrice, pianiste et cheffe de groupe, elle a marqué le free jazz et l’avant-garde, notamment avec Escalator over the Hill, resté comme l’un de ses projets les plus célèbres. Son œuvre rappelle que l’écriture jazz peut être ironique, décalée, ambitieuse, parfois joyeusement tordue. Ce n’est pas un détail de spécialiste. C’est une part essentielle de la modernité du jazz. Maria Schneider, elle, a montré qu’une femme pouvait occuper une place centrale dans le jazz orchestral contemporain. Britannica souligne qu’elle a contribué à revitaliser la popularité du grand ensemble jazz, avec une écriture subtile, très colorée, qui renouvelle la tradition du big band sans la transformer en objet de musée. Dans un monde où l’on aime parfois opposer héritage et innovation, son travail prouve que le jazz d’orchestre peut rester vivant, sensuel et audacieux. Des musiciennes modernes qui transforment le paysage Le plus passionnant est peut-être là. Le jazz féminin ne relève pas d’une simple commémoration. Il est pleinement actif aujourd’hui. Terri Lyne Carrington en donne une illustration éclatante. La NEA la présente comme une batteuse majeure depuis les années 1980, mais aussi comme compositrice, cheffe d’orchestre, productrice et éducatrice. Sa reconnaissance comme NEA Jazz Master montre bien qu’on ne parle pas d’une figure périphérique. On parle d’une artiste qui joue, compose, transmet et agit sur la structure même du milieu. Esperanza Spalding brouille elle aussi les catégories avec bonheur. Britannica la présente comme une musicienne américaine, contrebassiste, chanteuse et compositrice. Son parcours a une portée symbolique forte, car elle a montré qu’une femme pouvait être à la fois une instrumentiste virtuose, une autrice singulière et une figure reconnue bien au-delà du cercle strictement jazz. Avec elle, la vieille séparation implicite entre la chanteuse d’un côté et le musicien “sérieux” de l’autre s’effondre assez joliment. Et il était temps. Hiromi occupe une place à part dans le jazz actuel. Berklee rappelle qu’elle a commencé le piano très jeune, joué avec Chick Corea à 17 ans et développé un univers où la virtuosité, l’énergie scénique et le mélange des langages tiennent un rôle central. Son succès rappelle une évidence que certains programmateurs oublient volontiers : les femmes du jazz contemporain ne se limitent pas à l’intime, au feutré ou au gracieux. Parfois, ça déborde, ça fuse, ça cogne, et c’est très bien ainsi. En France aussi, plusieurs musiciennes ont pris une place décisive. Anne Paceo, batteuse et compositrice, développe depuis des années une œuvre personnelle qui mêle puissance rythmique, écriture, ouverture stylistique et forte identité sonore. Sa biographie officielle rappelle d’ailleurs combien le rapport au rythme est ancré très tôt dans son parcours. Airelle Besson, trompettiste et compositrice, incarne une autre facette de cette vitalité. Sa double formation classique et jazz, évoquée sur son site, explique en partie la finesse de son jeu et la singularité de son écriture. Là encore, pas de rôle secondaire. Pas de case décorative. Des artistes centrales, tout simplement. Les chanteuses modernes ne prolongent pas seulement l’héritage, elles le déplacent Du côté du chant aussi, la relève est brillante. Cécile McLorin Salvant est sans doute l’une des figures les plus passionnantes de ces dernières années. La MacArthur Foundation souligne qu’elle apporte aux standards comme à ses compositions une profondeur historique, un sens dramatique renouvelé et une compréhension musicale très large, nourrie de jazz, de blues, de folk, de cabaret et de théâtre musical. Elle ne reprend pas le répertoire. Elle le réinterprète comme une dramaturgie vivante. Samara Joy incarne une autre dynamique du jazz contemporain. Son Grammy de Best New Artist en 2023 a eu une portée symbolique forte, car il a remis une chanteuse de jazz au centre d’une récompense grand public rarement associée à ce genre. Les Grammy Awards ont eux-mêmes souligné l’importance possible de cette victoire pour l’ensemble de la communauté jazz. Cela ne règle évidemment pas tous les déséquilibres du marché musical, mais cela rappelle qu’une voix de jazz peut encore percer le vacarme industriel ambiant. Ce qui, convenons-en, n’est pas un mince exploit. Il faut aussi citer Dee Dee Bridgewater, reconnue par la NEA comme Jazz Master en 2017. Son parcours montre qu’une chanteuse moderne peut être bien davantage qu’une interprète de haut niveau. Elle est aussi productrice, animatrice, passeuse, figure publique durable. Son témoignage sur la difficulté pour les femmes d’obtenir une telle distinction dit d’ailleurs beaucoup sur le fonctionnement historique du milieu. Le jazz aime l’idée de liberté, mais il lui a parfois fallu un temps embarrassant pour l’appliquer chez lui. Pourquoi cette histoire a-t-elle été si souvent mal racontée ? La réponse est assez simple, même si elle n’est pas très élégante. L’histoire du jazz a longtemps été écrite selon des habitudes culturelles qui valorisaient plus facilement les hommes comme chefs, innovateurs, théoriciens ou instrumentistes, tandis que les femmes étaient renvoyées au chant, au charme ou au rôle d’exception. Résultat, des musiciennes majeures ont été moins commentées, moins enseignées, moins canonisées. Non parce qu’elles auraient moins compté, mais parce que le projecteur se tournait ailleurs. C’est un vieux truc humain, hélas. On confond souvent visibilité et importance. Heureusement, les biographies, archives, institutions culturelles et travaux de réévaluation historique remettent peu à peu les choses à l’endroit. Quand des organismes comme la NEA, Britannica, Berklee ou la MacArthur Foundation documentent la place de Terri Lyne Carrington, Maria Schneider, Cécile McLorin Salvant ou Esperanza Spalding, ils ne fabriquent pas une mode. Ils rendent plus lisible une réalité qui existait déjà. Le jazz n’a pas soudainement découvert les femmes. Il commence simplement, par endroits, à les raconter avec moins de myopie. Le 8 mars est un bon moment pour écouter autrement Le plus utile, au fond, n’est pas seulement de dresser une galerie de noms prestigieux. C’est d’écouter autrement. Réécouter les pionnières pour ce qu’elles ont vraiment apporté à la musique. Aller vers les instrumentistes, les arrangeuses, les compositrices, les batteuses, les trompettistes, les contrebassistes. Suivre aussi les artistes actuelles qui, loin de prolonger sagement une tradition, la déplacent, l’interrogent, parfois la secouent. C’est là que le jazz reste vivant. Et c’est là que les femmes comptent, hier comme aujourd’hui, non comme note en bas de page, mais comme forces créatrices majeures. Conclusion Rendre hommage aux femmes dans l’histoire du jazz ne consiste pas à ajouter un supplément commémoratif un jour par an. Il s’agit de raconter la musique plus justement. Des pionnières comme Mary Lou Williams ou Carla Bley aux artistes contemporaines comme Terri Lyne Carrington, Esperanza Spalding, Cécile McLorin Salvant, Samara Joy, Hiromi, Anne Paceo ou Airelle Besson, les femmes ont façonné, transformé et continuent de faire avancer le jazz. Le vrai sujet n’est donc pas de savoir si elles ont compté. Le vrai sujet est de comprendre pourquoi il a fallu si longtemps pour le dire clairement.

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Roy Haynes, légende du jazz, vient de mourir à l’âge de 99 ans. Le monde du jazz perd l’une de ses icônes, Roy Haynes, décédé à l’âge vénérable de 99 ans. Né le 13 mars 1925 à Boston, ce batteur légendaire a traversé les époques et marqué des générations d’artistes et de passionnés de jazz. En près de sept décennies de carrière, il a non seulement accompagné certains des plus grands noms du jazz, mais a aussi révolutionné l’art de la batterie, laissant derrière lui un héritage indélébile. Les débuts d’un génie du rythme À seulement 20 ans, Haynes rejoint l’orchestre de l’immense Louis Russell, avant de jouer avec Lester Young dès 1947, marquant ainsi ses premiers pas dans l’élite du jazz. En 1949, il intègre le quintet de Charlie Parker, apportant son style de jeu audacieux et dynamique à une scène bebop en pleine effervescence. Avec Parker, Haynes met au point un style de batterie qui fait la part belle à l’improvisation, au jeu en polyrythmie, et à une musicalité qui inspire encore aujourd’hui. Une carrière aux côtés des plus grands La polyvalence de Roy Haynes lui permet de collaborer avec des géants de tous horizons musicaux. Dans les années 1950 et 1960, il travaille avec John Coltrane, Eric Dolphy, et Sarah Vaughan, puis rejoint Miles Davis et Stan Getz. Sa contribution à des albums tels que Out of the Afternoon (1962) témoigne de sa capacité à repousser les frontières du jazz. Haynes intègre des rythmes complexes, une utilisation raffinée de la cymbale ride, et un groove unique qui ont redéfini l’approche de la batterie dans le jazz moderne. Un innovateur jusqu’à la fin Roy Haynes ne cesse jamais d’évoluer et continue de jouer jusqu’à un âge avancé, participant à des projets avec des musiciens de toutes générations. En 2011, il est intronisé au DownBeat Hall of Fame, et il reçoit en 1995 le titre de Jazz Master décerné par le NEA, l’un des honneurs les plus prestigieux dans le monde du jazz américain. Son influence est palpable, des grands noms du jazz aux musiciens actuels de la scène néo-bop et au-delà. Un héritage musical inoubliable Roy Haynes n’était pas seulement un batteur ; il était un maître du rythme, un visionnaire du jazz, et une figure aimée et respectée qui a su inspirer des générations de batteurs et de jazzmen. Son jeu restera pour toujours une référence, une école du style et de la créativité pour ceux qui cherchent à comprendre la liberté d’expression musicale que représente le jazz. Aujourd’hui, c’est avec une grande tristesse que le monde de la musique lui rend hommage, reconnaissant pour son art et pour ce qu’il laisse derrière lui. Roy Haynes a joué un rôle clé dans de nombreux albums emblématiques et a collaboré avec certains des plus grands noms du jazz au fil des décennies. Voici quelques albums majeurs auxquels il a contribué, ainsi que des collaborations notables. Albums Importants Out of the Afternoon (1962) – Un album en tant que leader, avec Roland Kirk, Henry Grimes, et Tommy Flanagan. Considéré comme un chef-d’œuvre, il met en valeur l’approche rythmique novatrice de Haynes et son jeu virtuose. Now He Sings, Now He Sobs (1968) – Avec Chick Corea et Miroslav Vitouš. Cet album est une référence du trio jazz et marque un tournant dans l’approche harmonique et rythmique du jazz. Ce fut un temps mon album de chevet We Three (1959) – Avec Phineas Newborn Jr. et Paul Chambers. Ce trio révèle l’interplay subtil et la créativité de Haynes, et reste un classique du trio jazz. Trio Jeepy (1989) – Avec Branford Marsalis. Cet album met en valeur la capacité de Haynes à se fondre dans des contextes modernes tout en conservant son style distinctif. Birdland Sessions (1949-1950) – Avec Charlie Parker. Haynes y développe sa polyvalence dans le bebop et s’affirme comme un accompagnateur idéal pour le jeu audacieux de Parker. A Love Supreme: Live in Seattle (1965) – Bien qu’il ait remplacé Elvin Jones seulement pour quelques performances, l’interaction de Haynes avec John Coltrane a eu un impact durable. Son approche plus libre et moins traditionnelle s’est parfaitement intégrée à la quête spirituelle de Coltrane. Collaborations Mémorables Charlie Parker Quintet : Roy Haynes a été l’un des batteurs favoris de Charlie Parker, jouant à ses côtés de 1949 à 1952. Son travail avec Bird a marqué sa carrière et lui a permis de développer son style distinctif. Miles Davis : Haynes a joué avec Miles Davis dans les années 1950, remplaçant parfois le batteur titulaire dans des contextes live. Sa capacité à maintenir un groove tout en explorant des textures rythmiques nouvelles l’a fait remarquer par Miles. John Coltrane Quartet : Roy Haynes a souvent remplacé Elvin Jones avec le quartette de John Coltrane. Sa capacité à s’adapter aux explorations modales de Coltrane en faisait un partenaire idéal pour les performances live du saxophoniste. Sarah Vaughan : Haynes a été le batteur attitré de Sarah Vaughan pendant plusieurs années dans les années 1950, apportant une sensibilité et une finesse qui complétaient parfaitement la voix unique de Vaughan. Stan Getz : Dans les années 1960, il joue avec le saxophoniste Stan Getz, contribuant à des albums marquants comme Jazz Samba, qui a popularisé la bossa nova et lui a permis d’explorer de nouvelles nuances rythmiques. Gary Burton Quartet : Dans les années 1960 et 1970, il collabore avec Gary Burton, l’un des pionniers du vibraphone jazz fusion. Ensemble, ils explorent les terrains du jazz avant-gardiste et fusion, étendant la portée musicale de Haynes. Pat Metheny et Chick Corea : Dans les années 1970 et 1980, il continue à jouer avec des artistes de nouvelle génération, comme le guitariste Pat Metheny et le pianiste Chick Corea, démontrant sa capacité à traverser les styles et à rester pertinent dans une époque en pleine évolution musicale. L’apport de Roy Haynes au jazz est ainsi immortalisé dans des albums qui ont marqué chaque époque. Sa capacité d’innovation et son style inimitable lui ont permis de laisser une empreinte durable dans l’histoire du jazz, aux côtés des plus grands musiciens et dans des œuvres qui continuent d’inspirer.  

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La tradition des big bands de jazz remonte aux premières décennies du 20e siècle, lorsque le jazz émergeait comme un genre musical distinct. Les big bands étaient des ensembles de jazz composés de nombreux musiciens, souvent organisés en sections de cuivres, de bois et de rythme. Ces orchestres étaient connus pour leur son puissant et leur capacité à jouer des arrangements complexes et dynamiques. Un des premiers et des plus célèbres big bands de jazz était l’orchestre de Count Basie, qui a contribué à populariser le style de jazz swing dans les années 1930 et 1940. D’autres grands noms incluent Duke Ellington, Benny Goodman, Glenn Miller, Tommy Dorsey, et Artie Shaw. Chacun de ces orchestres avait sa propre sonorité distinctive et a contribué à façonner l’histoire du jazz. Les big bands étaient souvent composés de sections de trompettes, de trombones, de saxophones, ainsi que d’une section rythmique. La formation la plus traditionnelle emploie quatre sections instrumentales, appelées aussi pupitres : les saxophones (deux saxophones alto, deux saxophones ténor et un saxophone baryton), les trombones (au nombre de quatre, le quatrième étant souvent un trombone basse), les trompettes (également au nombre de quatre, utilisant parfois des cornets ou bugles), et la section rythmique (piano, contrebasse et batterie, parfois complétés par la guitare et diverses percussions). Les big bands peuvent également inclure d’autres instruments tels que le tuba, la clarinette, la flûte, le cor d’harmonie, etc Ces ensembles étaient connus pour leurs arrangements sophistiqués et leurs solistes talentueux. Les big bands ont joué un rôle majeur dans l’histoire du jazz, en popularisant le genre à travers des enregistrements, des émissions de radio et des tournées. Leur influence s’est étendue à d’autres genres musicaux, et leur héritage perdure dans la musique contemporaine. Les premiers big bands de jazz ont joué un rôle crucial dans l’essor et l’évolution du jazz. Voici quelques-uns des orchestres les plus emblématiques et leurs membres : Orchestre de Duke Ellington : Formé en 1924, Duke Ellington a transformé un groupe existant en un big band de douze musiciens. L’orchestre a accueilli de grands noms du jazz tels que Barney Bigard, Bubber Miley, Oscar Pettiford, Billy Strayhorn, Jimmy Hamilton, Ben Webster, Johnny Hodges, et bien d’autres. The Count Basie Orchestra : Dirigé par Count Basie, cet orchestre a accueilli des musiciens légendaires tels que Horace Silver, Cedar Walton, Bobby Timmons, Keith Jarrett, Curly Russell, Benny Golson, Hank Mobley, Johnny Griffin, Wayne Shorter, Lee Morgan, Woody Shaw, Terence Blanchard, Freddie Hubbard, Clifford Brown, Wynton Marsalis, et Curtis Fuller. Le quintet du Hot Club de France : Ce groupe de jazz français, formé en 1934, comprenait le guitariste Django Reinhardt, le violoniste Stéphane Grappelli, les guitaristes Joseph Reinhardt et Roger Chaput, ainsi que le contrebassiste Louis Vola1. Ces orchestres ont contribué à façonner le son du jazz et ont accueilli certains des musiciens les plus talentueux de leur époque. Leur influence perdure dans la musique contemporaine, et leur héritage continue d’inspirer de nouvelles générations de musiciens. Les big bands de jazz ont joué un rôle majeur dans l’ère du swing, influençant la musique populaire et marquant l’histoire du jazz. Voici quelques-uns des big bands les plus influents de cette période : Benny Goodman Orchestra : Surnommé « The King of Swing », Benny Goodman a été l’un des artisans les plus influents du développement du style swing. Son orchestre a connu un grand succès et a contribué à populariser le swing à travers des enregistrements et des performances live. Duke Ellington Orchestra : Dirigé par Duke Ellington, cet orchestre a été l’un des plus emblématiques de l’ère du swing. Ellington, en tant que compositeur et arrangeur talentueux, a façonné le son distinctif de son orchestre, contribuant ainsi à l’évolution et à la popularisation du swing. Count Basie Orchestra : L’orchestre de Count Basie a également joué un rôle majeur dans l’ère du swing. Avec son style unique et son énergie dynamique, cet orchestre a laissé une empreinte indélébile sur la musique de cette époque. Glenn Miller Orchestra : Sous la direction de Glenn Miller, cet orchestre a connu un immense succès avec des tubes tels que « In the Mood » et « Moonlight Serenade ». Le son distinctif de cet orchestre a contribué à populariser le swing à l’échelle mondiale. Ces orchestres, parmi d’autres, ont contribué à façonner le son du jazz de l’ère du swing et ont laissé un héritage durable dans l’histoire de la musique populaire. Le Big Band de Quincy Jones a joué un rôle significatif dans l’histoire du jazz. Quincy Jones, en tant que compositeur, arrangeur et chef d’orchestre, a dirigé un ensemble de musiciens talentueux qui ont contribué à façonner le son distinctif de son big band. L’album « Big Band Bossa Nova », sorti en 1962, est l’un des enregistrements les plus emblématiques de cet orchestre. Cet album a été salué pour son utilisation novatrice des rythmes de bossa nova dans les arrangements pour big band. L’Influence des Big Bands de Jazz sur la Musique Populaire Les big bands de jazz ont exercé une influence majeure sur la musique populaire à travers plusieurs aspects. Le style de jazz swing, popularisé par des big bands tels que ceux de Count Basie, Duke Ellington, et Glenn Miller, a eu un impact significatif sur la musique populaire des années 1930 et 1940. Ce style a contribué à l’émergence de la danse swing et a influencé de nombreux artistes de l’époque. Artistes Populaires Influencés par les Big Bands de Jazz Plusieurs artistes populaires ont été influencés par les big bands de jazz, notamment Frank Sinatra, Michael Bublé, Natalie Cole, et Harry Connick Jr. Ces artistes ont puisé dans l’esthétique et le répertoire des big bands de jazz pour façonner leur propre style musical, contribuant ainsi à perpétuer l’influence durable de ces orchestres emblématiques sur la musique populaire. Pour conclure. L’histoire des big bands de jazz est une saga fascinante qui a façonné l’évolution de la musique populaire. Au début des années 1930, le jazz a donné naissance au style du swing, caractérisé par son rythme entraînant, sa section de cuivres brillants et la mélodie expressive chantée ou jouée par les solistes. Cette ère du swing a été marquée par l’émergence de grands orchestres, tels que ceux de Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, et Glenn Miller, qui ont défini une génération et inspiré les générations suivantes. Les big bands ont joué un rôle crucial dans la popularisation du jazz, en offrant une musique entraînante qui a conquis un large public et a fait vibrer les amateurs et néophytes. Ces orchestres massifs, composés d’une quinzaine de musiciens ou plus, représentaient la quintessence de cette période fascinante pour les amateurs de jazz. Avec une section rythmique dynamique et des cuivres puissants, les big bands ont insufflé une nouvelle énergie dans chaque concert et ont rendu la musique accessible à un large public. Des artistes légendaires tels que Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, et Glenn Miller ont dirigé des orchestres emblématiques qui ont laissé une empreinte indélébile dans l’histoire du jazz. Leurs compositions, arrangements et performances ont contribué à populariser le jazz à travers des enregistrements, des émissions de radio et des tournées. L’influence des big bands de jazz s’est également étendue à la musique populaire, inspirant des artistes tels que Frank Sinatra, Michael Bublé, Natalie Cole, et Harry Connick Jr. Ces artistes ont puisé dans l’esthétique et le répertoire des big bands pour façonner leur propre style musical, contribuant ainsi à perpétuer l’influence durable de ces orchestres emblématiques sur la musique populaire. Enfin, les big bands de jazz ont continué à évoluer et à s’adapter à de nouveaux courants musicaux, rencontrant la musique classique, le jazz fusion, la musique latine, le rock, le « Sound Painting », la pop music, et bien d’autres genres. Leur héritage perdure dans la musique contemporaine, témoignant de leur capacité à innover et à explorer de nouveaux horizons musicaux. En somme, l’histoire des big bands de jazz est une saga riche en créativité, en virtuosité et en diversité, qui continue d’inspirer et d’enchanter les amateurs de musique à travers le monde.

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Le site internet archive.org qui se veut « la mémoire du web » est une immense médiathèque à but non lucratif de millions de livres, de films, de logiciels, de musique, de sites Web, etc. Dans tout ce « bric à brac » au demeurant fort intéressant, il se trouve un projet, le « Great 78 tours project » qui recense des milliers de 78 tours et d’enregistrements sur cylindre de tous styles datant du début du 20ème siècle. Ces enregistrements ont été apportés aux archives par des utilisateurs via la collection audio Open Source. Internet archive en a numérisé plus de 40.000 dont plus de 4.400 rien que pour le jazz qui sont proposés gratuitement (et légalement) à l’écoute sur le site et au téléchargement. Les recherches se font sur le style de musique, puis sur le titre, le créateur ou la date de publication. Pour chaque enregistrement on trouve de nombreux détails comme le style de musique, l’étiquette originale (lorsqu’il y en a) la date de l’enregistrement, les musiciens en présence, l’autre face du 78 tours etc… L’enregistrement propose plusieurs qualité de numérisation et la possibilité de choisir votre format préféré pour le téléchargement. Pour un voyage au temps des premiers enregistrements du jazz commencez par cliquer sur le disque. Attention c’est addictif.

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  Linked Jazz est un projet en cours, encore beaucoup de fiches de musiciens à compléter, qui étudie la possibilité de l’application de la « Linked Open Data » (LOD) pour améliorer la découverte et la visibilité des documents numériques du patrimoine culturel. Plus précisément, ce projet se concentre sur les archives numériques de l’histoire du jazz à exposer les relations entre les musiciens et de révéler le réseau de leur communauté. Linked Jazz propose à partir de la compilation de centaines de documents sur l’histoire du jazz et des musiciens de Jazz de parcourir sous forme de Carte heuristique les liens unissant les jazzmens à travers leur histoire et leurs affinités. Un nouveau regard et une mise en perspective sur l’histoire de jazz qui peut ouvrir des possibilités sans précédent pour créer de nouveaux types de sens et de susciter de nouvelles sources d’interprétation. Le détail du projet et sa mise en œuvre par les concepteurs. Cliquez sur les images pour accéder au site. En cliquant sur un musicien on peut suivre les liens en relation avec ce dernier. Influences, instrument joué, composition des orchestres etc… Exemple avec Dizzie Gillespie.

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Guillaume Nouaux dont le dernier CD « Drumset in the sunset » a remporté le Prix de l’Académie du Jazz (disponible sur son site) publie un imposant ouvrage : Jazz Drums Legacy retraçant à travers l’étude des relevés de 30 batteurs l’évolution du langage de la batterie jazz, de Baby Dodds à Brian Blade. Pour les batteurs . . . mais pas seulement en a dit François Laudet dans une dédicace. Ce livre traite des différents aspects de la batterie jazz. Il aborde également dix chapitres sur des points clés afin d’ aider les impétrants batteurs à développer une approche plus musicale de leur instrument. Le tout est agrémenté de centaines de citations et conseils des maîtres batteurs. Cet ouvrage s’adresse avant tout aux étudiants batteurs possédant déjà des bases techniques sur l’instrument et désirant apprendre, comprendre et perfectionner leur jeu dans l’univers du jazz. Il s’adresse aussi aux professeurs de batterie recherchant un support pédagogique pour le travail spécifique du jazz auprès de leurs élèves, ainsi qu’à tous les batteurs qu’ils soient amateurs ou professionnels, désireux d’enrichir leurs connaissances et leur vocabulaire dans ce domaine. Ils en ont dit : «Ce livre tient à la fois du manuel d’apprentissage, du vade-mecum et de la profession de foi. C’est, d’une certaine manière, plus que l’ouvrage d’un fin musicien doublé d’un pédagogue, une livre de sagesse. Un maillon important dans la transmission de cette musique qui nous tient à cœur.» Jacques Aboucaya «Guillaume Nouaux a su, par ce superbe ouvrage, nous faire prendre conscience avec clarté du développement des techniques de jeu et de l’influence fondamentale que cela a eu sur la musique jazz à chaque époque. On perçoit aussi l’immense variété d’approches stylistiques que cet instrument permet. Le tout, illustré de citations très instructives des grands maitres. Merci Guillaume pour ce beau voyage, qui je pense fera bientôt référence.» Franck Agulhon Jazz Drums Legacy – ISBN 979-10-91635-00-4 – 180 pages – 36 euros En vente sur le site de 2Mc éditions

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