Le guide des cordes. Introduction   Dans le domaine de la musique, les cordes sont des éléments essentiels dans la création de sons harmonieux. Elles sont utilisées dans de nombreux instruments tels que la guitare, le violon, le violoncelle, la contrebasse, la harpe et bien d’autres. Les cordes peuvent être fabriquées à partir de différents matériaux, ce qui influe directement sur leur sonorité et leur durabilité. Cet article se penche sur les différentes cordes utilisées dans les instruments de musique, en explorant les matériaux les plus couramment utilisés ainsi que leurs caractéristiques sonores et leurs avantages spécifiques. Les cordes en acier sont les plus répandues et sont généralement utilisées dans les guitares et les instruments à cordes frottées tels que le violon et le violoncelle. Ces cordes offrent une grande projection sonore, une durabilité accrue et une résonance brillante. Cependant, elles peuvent être moins souples et moins sensibles au toucher par rapport à d’autres types de cordes. D’autres instruments, comme la harpe, utilisent des cordes en boyau. Ces cordes sont fabriquées à partir d’entrailles d’animaux et produisent une sonorité chaude, riche et profonde. Elles offrent également une grande sensibilité au toucher, permettant aux musiciens de moduler leur son avec précision. Cependant, les cordes en boyau nécessitent un entretien régulier et sont plus sensibles aux fluctuations de température et d’humidité. En plus de l’acier et du boyau, il existe également des cordes en nylon, utilisées principalement dans les guitares classiques et les instruments traditionnels comme le sitar. Les cordes en nylon produisent un son doux et chaleureux, idéal pour la musique acoustique et les styles de jeu plus délicats. Enfin, certaines cordes sont fabriquées à partir de mélanges de différents matériaux, offrant ainsi une combinaison de caractéristiques sonores. Par exemple, des cordes hybrides peuvent être composées d’acier et de nylon, offrant à la fois la projection du son de l’acier et la sonorité douce du nylon. En conclusion, les cordes jouent un rôle crucial dans le rendu sonore des instruments de musique. Chaque type de corde offre des caractéristiques sonores uniques et convient à différents styles de jeu et genres musicaux. Il est donc important pour les musiciens de choisir attentivement les cordes qui conviennent le mieux à leur instrument et à leur style de jeu afin de maximiser leur sonorité et leur plaisir de jouer. Les cordes en boyau Les cordes en boyau sont l’une des principales catégories de cordes utilisées dans les instruments de musique. Traditionnellement utilisées dans les instruments à cordes comme les violons, les violoncelles, les contrebasses, les archets et les harpes, ces cordes sont fabriquées à partir de tripes animales, généralement de mouton ou de bœuf. Caractéristiques des cordes en boyau Les cordes en boyau offrent plusieurs caractéristiques qui les distinguent des autres types de cordes. Tout d’abord, elles sont connues pour leur sonorité chaude, riche et complexe. Elles produisent un son naturel et vibrant, qui donne une profondeur et une expressivité particulières à l’instrument. En raison de leur composition naturelle, les cordes en boyau réagissent également de manière sensible aux variations de climat et de température, ce qui peut nécessiter un réglage fréquent pour maintenir la justesse de l’instrument. De plus, elles peuvent être plus sensibles à l’humidité et à l’humidification de l’instrument lui-même, ce qui nécessite une attention particulière lors de leur utilisation. Avantages et inconvénients Les cordes en boyau offrent plusieurs avantages aux musiciens. En raison de leur sonorité chaleureuse et expressive, elles sont souvent préférées par les musiciens classiques et les amateurs de musique traditionnelle. Elles offrent une palette sonore riche et nuancée, permettant une grande expressivité musicale. Cependant, l’utilisation de cordes en boyau présente également quelques inconvénients. Elles sont plus sensibles aux variations climatiques, ce qui peut rendre leur utilisation plus compliquée lors de concerts en extérieur ou dans des environnements où les conditions sont difficiles à contrôler. De plus, elles ont tendance à être plus fragiles que d’autres types de cordes, nécessitant une manipulation et un entretien soigneux pour éviter les cassures ou les détériorations prématurées. Utilisation et entretien L’utilisation des cordes en boyau nécessite une certaine attention pour garantir leur durabilité et leur fonctionnement optimal. Il est recommandé de les manipuler avec précaution et de les ranger dans un environnement approprié pour éviter les dommages causés par l’humidité ou les variations de température. Il est également important de les huiler régulièrement pour maintenir leur souplesse et leur résistance. Cela peut aider à prévenir les cassures et à prolonger la durée de vie des cordes en boyau. De plus, un réglage régulier de l’instrument est nécessaire pour garantir la justesse et la qualité sonore des cordes en boyau. Conclusion Les cordes en boyau sont un choix privilégié par de nombreux musiciens en raison de leur sonorité chaude et expressive. Bien qu’elles nécessitent une attention particulière en termes d’entretien et de réglage, elles offrent une richesse sonore et une expressivité uniques. Que ce soit dans le cadre de la musique classique, du jazz ou de la musique traditionnelle, les cordes en boyau restent une option populaire pour les musiciens en quête d’un timbre riche et authentique. Les cordes en nylon Les cordes en nylon sont utilisées dans plusieurs instruments de musique, notamment les guitares classiques et les ukulélés. Elles sont fabriquées à partir d’un matériau synthétique, le nylon, qui offre à la fois une grande résistance et une sonorité chaleureuse. Caractéristiques des cordes en nylon : Flexibilité : Les cordes en nylon sont particulièrement souples, ce qui les rend idéales pour les débutants ou les joueurs qui préfèrent une sensation plus douce lorsqu’ils jouent. Cette flexibilité permet également de produire des sons mélodieux et doux. Durabilité : Les cordes en nylon sont durables et résistent bien à l’usure quotidienne. Elles ont une durée de vie généralement plus longue que les cordes en acier, ce qui les rend économiquement avantageuses. Sonorité : Les cordes en nylon offrent un son chaud et doux qui convient parfaitement à la musique classique, au flamenco, au folk et à d’autres genres acoustiques. Elles produisent des harmoniques riches et se prêtent bien aux techniques de jeu polyphonique. Avantages des cordes en nylon : Confort et facilité de jeu : Grâce à leur souplesse, les cordes en nylon permettent une réponse plus douce aux doigts, offrant ainsi un confort optimal lors du jeu. Elles sont également idéales pour les personnes ayant des doigts sensibles. Ton chaleureux : Les cordes en nylon offrent un son chaleureux et apaisant. Cela les rend particulièrement adaptées à la musique avec des tonalités plus douces, comme le répertoire classique. Adaptées aux débutants : Les cordes en nylon sont recommandées pour les débutants car elles sont plus faciles à jouer et à appuyer sur le manche de l’instrument. De plus, elles sont moins susceptibles de blesser les doigts. Les cordes en nylon offrent une alternative aux cordes en acier plus couramment utilisées. Elles conviennent à de nombreux genres musicaux et garantissent une excellente jouabilité et une sonorité unique. Que vous soyez un débutant ou un musicien expérimenté, les cordes en nylon peuvent offrir une expérience de jeu agréable et satisfaisante. Les cordes en acier Les cordes en acier sont utilisées dans de nombreux instruments de musique, notamment dans les guitares électriques, les basses et les instruments à cordes frottées tels que le violoncelle et la contrebasse. Elles sont fabriquées à partir d’un alliage métallique composé principalement de fer, de carbone et d’autres éléments. Les cordes en acier offrent une grande stabilité et une résistance accrue par rapport aux cordes en nylon ou en boyau. Elles sont également appréciées pour leur sonorité brillante et leur projection puissante, ce qui les rend idéales pour les styles de musique contemporains tels que le rock, le métal et le jazz. Dans le cas des guitares électriques et des basses, les cordes en acier sont souvent filées avec un matériau supplémentaire, généralement du nickel ou de l’acier inoxydable, pour améliorer la durabilité et la flexibilité. Ces cordes sont disponibles dans différentes épaisseurs, ce qui permet de produire des sons plus graves ou plus aigus en fonction des préférences du musicien. Pour les instruments à cordes frottées tels que le violoncelle et la contrebasse, les cordes en acier offrent une projection sonore plus puissante que les cordes en boyau, ce qui les rend très populaires dans les orchestres et les ensembles. Elles sont également plus stables en termes d’intonation et résistent mieux aux variations de température et d’humidité. Cependant, il est important de noter que les cordes en acier peuvent être plus exigeantes pour les doigts des musiciens, en particulier lorsqu’il s’agit de jeux prolongés ou d’interprétations plus délicates. De plus, elles ont tendance à produire un son plus métallique par rapport aux autres types de cordes. En conclusion, les cordes en acier sont largement utilisées dans les instruments de musique en raison de leur stabilité, de leur sonorité brillante et de leur projection puissante. Que ce soit pour des musiques contemporaines ou dans le cadre des orchestres, elles satisfont les exigences des musiciens professionnels et amateurs. Cependant, il est important de considérer les différences de sensations et de sonorités qu’elles offrent par rapport aux autres types de cordes. Les cordes en soie Les cordes en soie sont utilisées dans certains instruments de musique, notamment les instruments à cordes frottées comme le violon, l’alto, le violoncelle et la contrebasse. La soie est un matériau naturel connu pour sa qualité sonore exceptionnelle et sa résonance unique. La soie est extraite des cocons de vers à soie, et son utilisation dans la fabrication de cordes remonte à des siècles. Les cordes en soie offrent une sonorité riche, profonde et chaleureuse, ce qui en fait un choix prisé des musiciens professionnels. Les cordes en soie demandent une attention particulière en termes d’entretien. Elles peuvent être sensibles aux changements de température et d’humidité, ce qui peut affecter leur tension et leur sonorité. Il est donc important de les protéger des variations extrêmes d’environnement. Malheureusement, les cordes en soie ont tendance à s’user plus rapidement que les cordes en acier ou en boyaux synthétiques. Le frottement continu de l’archet peut entraîner une perte de brillance du son au fil du temps. Il est donc recommandé de les remplacer régulièrement pour conserver une qualité sonore optimale. Dans le monde moderne, les cordes en soie sont souvent utilisées par les musiciens qui recherchent une tonalité vintage et authentique. Elles ajoutent une dimension particulière à la sonorité de l’instrument et sont très appréciées dans certains styles de jeu, tels que la musique baroque. En conclusion, les cordes en soie sont un choix idéal pour les musiciens à la recherche d’un son riche, profond et chaleureux. Bien qu’elles nécessitent un entretien minutieux et une durée de vie plus courte, elles offrent une résonance unique qui ne peut être reproduite par d’autres matériaux. Que ce soit pour jouer du violon, de l’alto, du violoncelle ou de la contrebasse, les cordes en soie sont un choix de qualité pour les musiciens exigeants. Les cordes en bronze Les cordes en bronze sont l’une des variétés les plus populaires dans les instruments de musique. Elles sont largement utilisées dans les guitares acoustiques et électriques, ainsi que dans divers instruments à cordes tels que le violon, la mandoline et le ukulélé. Le bronze est un alliage de cuivre et d’étain qui offre une combinaison unique de propriétés sonores et de durabilité. Les cordes en bronze produisent un son chaud et riche, avec une résonance claire et suffisante. Elles sont appréciées pour leur polyvalence et leur capacité à s’adapter à différents styles de jeu et à différents genres musicaux. Il existe plusieurs types de cordes en bronze, notamment les cordes en bronze phosphoreux et les cordes en bronze 80/20. Les cordes en bronze phosphoreux sont recouvertes d’une fine couche de phosphore, ce qui leur confère une durée de vie plus longue et une résistance accrue à l’oxydation. Elles ont tendance à produire un son plus brillant et plus clair que les cordes en bronze 80/20. Les cordes en bronze 80/20 sont fabriquées à partir d’un alliage de 80% de cuivre et de 20% d’étain. Elles ont une sonorité plus équilibrée, avec des basses bien définies et des aigus percutants. Elles sont souvent préférées pour leur sonorité vintage et leur capacité à donner plus de brillance aux instruments. Lorsqu’il s’agit de choisir des cordes en bronze, il est important de prendre en compte le style de jeu, les préférences sonores et le type d’instrument. Les musiciens peuvent expérimenter différents types de cordes en bronze pour trouver celles qui correspondent le mieux à leur style et à leurs besoins. En conclusion, les cordes en bronze sont une option populaire et polyvalente pour de nombreux instruments de musique. Qu’il s’agisse d’une guitare acoustique, d’un violon ou d’un ukulélé, les cordes en bronze offrent un son chaud et riche, avec une résonance claire. Il existe différents types de cordes en bronze, tels que le bronze phosphoreux et le bronze 80/20, qui offrent des caractéristiques sonores distinctes. Les musiciens peuvent choisir les cordes en bronze qui conviennent le mieux à leur style de jeu et à leurs préférences sonores. Les cordes en cuivre Les cordes en cuivre sont largement utilisées dans différents instruments de musique en raison de leurs caractéristiques uniques. Le cuivre est un matériau solide et durable qui produit un son brillant et clair. Ces cordes sont principalement utilisées dans les instruments tels que la guitare électrique, la guitare basse, le violoncelle et le violon. Les guitares électriques : Dans le contexte des guitares électriques, les cordes en cuivre sont souvent composées d’un alliage de nickel et de cuivre, appelé nickel-plaqué. Cet alliage offre une combinaison optimale de clarté, de brillance et de durabilité. Les cordes en cuivre conviennent particulièrement aux genres de musique rock, blues et métal en raison de leur capacité à produire un son puissant et saturé. Les cordes en cuivre sont disponibles dans différentes jauges, ce qui permet aux guitaristes de choisir la tension et le son qui correspondent le mieux à leur style de jeu. Les guitares basses : Les cordes en cuivre sont également largement utilisées dans les guitares basses. Ces cordes offrent une excellente réponse et une bonne projection sonore, ce qui est essentiel pour la basse qui a un rôle fondamental dans une formation musicale. Comme pour les guitares électriques, les cordes en cuivre pour guitares basses sont disponibles dans différentes jauges et sont généralement en nickel-plaqué pour améliorer la durabilité et la brillance du son. Les instruments à cordes frottées : Dans le cas des instruments à cordes frottées, tels que le violoncelle et le violon, les cordes en cuivre sont utilisées pour créer des sons chauds et profonds. Les cordes en cuivre argenté sont couramment utilisées pour ces instruments, car elles offrent une sonorité riche et un bon équilibre entre les harmoniques et le volume sonore. Les cordes en cuivre peuvent également être utilisées pour des instruments tels que la contrebasse et le violon alto, offrant une variété de tonalités et de possibilités de jeu. En conclusion, les cordes en cuivre sont des éléments essentiels dans plusieurs instruments de musique. Que ce soit pour les guitares électriques, les guitares basses ou les instruments à cordes frottées, ces cordes offrent une grande polyvalence sonore et une durabilité appréciée des musiciens. Que vous recherchiez un son puissant et saturé ou un son chaud et profond, les cordes en cuivre peuvent répondre à vos attentes. Les cordes en synthétique Les cordes en synthétique sont fabriquées à partir de matériaux artificiels tels que le nylon, le perlon ou le kevlar. Elles sont de plus en plus utilisées par les musiciens en raison de leurs avantages par rapport aux cordes en boyau naturel. Les cordes en synthétique offrent une stabilité et une durabilité supérieures, ce qui les rend idéales pour les instruments de musique qui nécessitent une tension constante sur les cordes, tels que les violons, les altos, les violoncelles et les contrebasses. Elles ont également une résistance accrue à l’humidité et à la variation des conditions climatiques, ce qui les rend adaptées à une utilisation en extérieur. L’un des avantages les plus importants des cordes en synthétique est leur rapidité de réponse. Elles produisent un son clair et brillant dès qu’elles sont jouées, ce qui permet aux musiciens de s’exprimer avec une grande précision et une grande expressivité. De plus, elles sont moins sensibles aux changements de température et d’humidité, ce qui réduit la nécessité de les accorder fréquemment. Les cordes en synthétique sont également plus abordables que les cordes en boyau naturel, ce qui en fait un choix populaire pour de nombreux musiciens, en particulier les étudiants et les amateurs. De plus, leur souplesse et leur facilité d’utilisation en font des cordes adaptées aux débutants qui cherchent à développer leurs compétences et leur technique. Cependant, bien que les cordes en synthétique offrent de nombreux avantages pratiques, elles ne peuvent pas reproduire complètement le son unique et chaleureux des cordes en boyau naturel. Les musiciens professionnels et les puristes préfèrent souvent le son plus riche et complexe des cordes en boyau, même si cela nécessite un entretien et un coût supplémentaires. En conclusion, les cordes en synthétique offrent une alternative pratique et économique aux cordes en boyau naturel. Elles sont durables, réactives, résistantes aux variations climatiques et conviennent à une utilisation intérieure et extérieure. Cependant, les musiciens doivent être conscients des différences sonores entre les deux types de cordes et choisir en fonction de leurs besoins et de leurs préférences personnelles. Les cordes en fluorocarbone Le fluorocarbone est un matériau synthétique utilisé dans la fabrication de cordes d’instruments de musique. Il possède des propriétés uniques qui en font un choix populaire parmi de nombreux musiciens. Voici quelques informations sur les cordes en fluorocarbone. Caractéristiques du fluorocarbone Les cordes en fluorocarbone sont appréciées pour leur durabilité et leur stabilité. Elles offrent une résonance claire et une réponse rapide, ce qui en fait un choix idéal pour les instruments à cordes tels que la guitare, le ukulélé et la basse. De plus, les cordes en fluorocarbone sont moins sensibles aux variations de température et d’humidité, ce qui les rend parfaitement adaptées aux performances en extérieur. Elles sont également résistantes à l’usure, ce qui garantit une longue durée de vie. Avantages des cordes en fluorocarbone Les cordes en fluorocarbone offrent de nombreux avantages aux musiciens. Tout d’abord, elles produisent un son clair et brillant, avec une excellente projection sonore. Cela les rend parfaites pour les musiciens qui souhaitent obtenir une tonalité précise et expressive. De plus, le fluorocarbone est un matériau non poreux, ce qui signifie qu’il ne retient pas les huiles et les résidus de doigts. Cela permet aux cordes de rester plus propres et de durer plus longtemps sans perdre leur brillance. Enfin, les cordes en fluorocarbone sont souvent plus légères que les cordes traditionnelles en acier ou en nylon. Cela facilite le jeu et réduit la fatigue des doigts, ce qui est particulièrement apprécié des musiciens qui jouent pendant de longues périodes. Utilisation des cordes en fluorocarbone Les cordes en fluorocarbone sont utilisées dans une variété d’instruments à cordes, y compris la guitare, le ukulélé, la basse et même certains instruments de musique traditionnels. Elles conviennent particulièrement aux genres musicaux tels que le jazz, le blues et la musique populaire. Il est important de noter que les cordes en fluorocarbone peuvent nécessiter un réglage initial supplémentaire en raison de leur tension différente par rapport aux autres types de cordes. Les musiciens doivent donc être prêts à ajuster leur instrument en conséquence. En conclusion, les cordes en fluorocarbone offrent une grande durabilité, une tonalité claire et une réponse rapide, ce qui en fait un choix populaire parmi de nombreux musiciens. Que ce soit pour jouer sur scène, en studio ou simplement pour le plaisir, ces cordes sont une excellente option pour tous les musiciens soucieux de la qualité sonore et de la longévité de leurs instruments. Conclusion En conclusion, les cordes sont un élément essentiel dans la fabrication et le fonctionnement des instruments de musique. Elles jouent un rôle crucial dans la production du son et peuvent grandement influencer la qualité et le timbre de l’instrument. L’article a examiné différentes types de cordes utilisées dans les instruments de musique, allant des cordes en acier utilisées dans les guitares électriques et les instruments à cordes frottées, aux cordes en boyau et en nylon utilisées dans les instruments acoustiques tels que les guitares classiques et les violons. Chaque type de corde a ses propres caractéristiques et est adapté à un certain style musical. Il est important de choisir les cordes appropriées pour chaque instrument afin d’optimiser sa sonorité et sa jouabilité. Les musiciens doivent tenir compte de facteurs tels que la tension des cordes, leur épaisseur et leur matériau lorsqu’ils choisissent les cordes qui conviennent le mieux à leur instrument et à leur style de jeu. Il est également crucial de prendre soin des cordes et de les entretenir régulièrement pour prolonger leur durée de vie et garantir une performance optimale. Cela peut inclure des activités telles que le nettoyage régulier des cordes, le remplacement des cordes usées et le réglage de la tension des cordes pour assurer une intonation précise. En somme, les cordes jouent un rôle crucial dans la création du son dans les instruments de musique. Comprendre les différentes options de cordes disponibles et choisir les cordes appropriées peut grandement améliorer la qualité de jeu et la sonorité d’un instrument. Il est important de se familiariser avec les différents types de cordes et d’expérimenter pour trouver celles qui correspondent le mieux à chaque instrument et à chaque style de jeu.  

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Patrick Renoncet, célèbre guitariste et pédagogue, a publié une méthode de guitare en deux volumes pour aider les débutants à apprendre les bases de la guitare et les guitaristes intermédiaires à perfectionner leurs compétences. Les deux volumes de la méthode sont disponibles dès maintenant: « 1 Pour commencer » et « 2 Pour continuer ». Le premier volume, « Pour commencer », est destiné aux débutants et couvre les bases de la guitare, y compris les accords, les gammes, les techniques de main droite et de main gauche, et la lecture de partitions. Il est accompagné d’exercices pratiques pour aider les débutants à s’entraîner à leur rythme. Les MP3 d’exercices et d’exemples sont disponibles à télécharger sur le site de l’éditeur 2Mc Editions pour une expérience d’apprentissage encore plus immersive. Le deuxième volume, « Pour continuer », est destiné aux guitaristes intermédiaires qui souhaitent perfectionner leurs compétences. Il couvre des sujets plus avancés tels que la théorie musicale, les techniques d’improvisation et les styles de jeu différents. Les exercices pratiques aident les guitaristes à améliorer leur technique et leur compréhension de la musique. Les MP3 d’exercices et d’exemples sont également disponibles à télécharger sur le site de l’éditeur 2Mc Editions pour accompagner les guitaristes dans leur progression. Ne manquez pas cette occasion de perfectionner vos compétences en guitare avec la méthode de Patrick Renoncet en deux volumes! Utilisez le hashtag #MethodeRenoncet pour partager votre expérience d’apprentissage et vos progrès avec la communauté des guitaristes.  

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Commencez par choisir une guitare adaptée à votre niveau et à vos goûts. Si vous êtes débutant, vous pouvez opter pour une guitare électrique ou acoustique de bonne qualité, mais pas trop chère, afin de ne pas vous décourager. Commencez par apprendre les bases de la guitare, comme les accords de base et les gammes. Les deux volumes de Patrick Renoncet devraient vous aider à acquérir ces connaissances de base. Pratiquez régulièrement. Il est important de consacrer du temps chaque jour à la pratique de la guitare pour progresser rapidement. Fixez-vous des objectifs raisonnables et réaliste et essayez de dépasser vos limites de manière progressive. Étudiez les différents styles de musique et essayer de jouer les morceaux qui vous plaisent. Cela vous aidera à vous améliorer tout en vous divertissant. Faites appel à un professeur de guitare expérimenté si vous avez du mal à apprendre seul. Un professeur peut vous aider à surmonter les obstacles et à progresser plus rapidement. Soyez patient et persévérant. Apprendre la guitare peut être frustrant au début, mais avec de la pratique et de la détermination, vous finirez par voir des progrès et par prendre plaisir à jouer.En ce qui concerne l’improvisation, voici quelques conseils pour vous aider à vous lancer : Apprenez les principes de base de l’improvisation, comme les gammes et les modes, qui vous aideront à comprendre comment créer des solos de guitare. Le volume 1 de « Improvisation en question » devrait vous aider à acquérir ces connaissances de base. Écoutez et étudiez les solos de guitare de vos musiciens préférés pour comprendre comment ils construisent leurs solos. Pratiquez l’improvisation sur des backing tracks de blues pour vous aider à développer votre oreille musicale et à trouver votre propre style d’improvisation. Le volume 2 de « Improvisation en question » devrait vous aider à vous lancer dans l’improvisation sur le blues. N’ayez pas peur de prendre des risques et d’essayer de nouvelles choses lorsque vous improvisez. L’improvisation est une forme d’expression personnelle, alors n’hésitez pas à suivre votre instinct et à sortir de votre zone de confort. Ces livres dont il est question plus haut sont incontournables. Ces ouvrages sont accompagnés de fichiers MP3 à télécharger sur le site de l’éditeur

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Vous êtes guitariste et vous voulez vous lancer dans l’improvisation avec votre instrument… Cet ouvrage est fait pour vous. Nouvelle parutions  2Mc Editions 30 pages pour aborder l’improvisation à la guitare, mais pas seulement. Grilles, notation traditionnelle, tablatures et playbacks en ligne. L’improvisation en question Volume 1 Principes généraux Ce premier volume se veut le plus clair et le plus simple possible. Cependant il s’adresse à des élèves ayant acquis quelques connaissances de base pour sa bonne compréhension. Il sera donc utile de lire un tant soit peu la musique, de connaitre les gammes majeures (au moins celle de Do pour le premier volume) et pentatoniques mineures ainsi que certaines notions au niveau de l’harmonie (accords). Bien que cet ouvrage s’adresse en premier lieu aux guitaristes il pourra être d’un intérêt certain pour les autres instrumentistes. Les playbacks qui accompagnent les exercices, accessibles sur le site, sont volontairement proposés sur un tempo lent pour un meilleur confort de jeu sont disponibles en ligne. Plus besoin de CD, travaillez avec votre smartphone. Au programme UN MOTIF POUR UNE IMPRO AVEC MODULATION… LES NOTES CIBLES LES PENTATONIQUES A propos de l’auteur : Roger Lartheau, guitariste Plus de 30 ans d’expérience sur les scènes nationales avec notamment des participations au festival de Jazz à Vienne (2011) et Jazz à Juan (2011 – 2012) et internationales, Brésil, Portugal … Enseignant reconnu depuis 1985, actuellement en poste à l’espace des arts et de la culture de Biot (06). 2Mc Editions – 30 pages – 16,40 €   Le commentaire d’un acheteur relevé sur le site : Il y a pléthore de méthodes d’improvisation, plus ou moins claires et plus ou moins complètes. « L’improvisation en question » a une approche assez originale en s’articulant autour de la création de motifs mélodiques. Cela commence par un motif de 3-4 notes en Do majeur pour aboutir au final à des improvisations complètes sur Autumn Leaves et Hey JoRead more about review stating Une approche de l’improvisation vraiment intéressante. L’auteur introduit au fur et à mesure les concepts fondamentaux de l’improvisation: les accords issus de la gamme majeure, la modulation, le décalage rythmique, les questions-réponse, la répétition, les arpèges, les pentatoniques, les notes cibles, … L’approche est toujours pragmatique et illustrée. On est à l’opposée de la démarche « professorale » intellectualisante, barbante et (généralement) décourageante. Au final, un beau voyage dans le monde de l’improvisation que je ne peux que conseiller aux musiciens qui joue d’un instrument soliste, quel qu’il soit (tout est présenté en tablature guitare + partition). A noter qu’il faudra tout de même un bagage minimum (lecture basique des notes sur une portée, connaissances basiques de l’harmonie de la gamme majeure et des pentatoniques)    

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Les artistes de génie passent souvent dans la vie comme des météores. Tel est le cas de Charlie Christian,  né en juillet 1916 à Dallas (texas) et emporté par la tuberculose en mars 1942. Il n’ avait que 26 ans!. C’était un prodige,  et heureusement pour nous tous, il a beaucoup enregistré. Issu d’une famille de musiciens, le jeune Charlie a appris le saxophone, la trompette, le piano et la contrebasse, instrument sur lequel il a connu ses premiers gigs en 1934. Mais très vite, son père,  qui la pratiquait fort bien,  lui a fait connaître la guitare. Ce fut pour Charlie une grande découverte et le moyen d’entamer très jeune, dès 1937 une très belle carrière notamment au sein des diverses formations du clarinettiste et chef d’orchestre Benny Goodman, avec lequel il est resté jusqu’à la fin. Au cours des années 1939 à 41, il a côtoyé les meilleurs, notamment le vibraphoniste Lionel Hampton, fou de swing comme lui. La guitare est une des plus anciens instruments utilisés par les jazzmen, notamment les chanteurs de blues. Mais elle a tenu surtout un rôle d’accompagnement. Charlie Christian s’est inspiré de novateurs comme Flyod Smith ou Eddie Durham pour adapter avec succès l’amplification de l’instrument. On était loin des pédales de distorsion et de la grande vogue du rock. Mais,  par ce procédé, Charlie pouvait rivaliser en puissance de son avec les cuivres. Très vite, il imposé sa technique. Une manière très sûre de poser les single notes, de les embellir, de les faire sonner,  et ce avec un maîtrise et une mise en place parfaite. On dit que lui-même,  ayant tâté au saxophone ténor,  aurait été influencé par Lester Young pour son jeu de guitare. Peut- être par la transformation des staccatos en notes bien liées et moelleuses comme le faisait Lester?…Avec son superbe phrasé, Charlie aurait créé le « reed style », le style anche. Je veux bien. Pour ma part, je pense que Charlie  se trouve formidablement en phase avec Hampton. On était en pleine période de la swing era. Les séances CBS avec Goodman sont très réussies. Même si Charlie est allé se frotter aux jeunes turcs du « Minton’s house » d’Harlem en 1941, on peut difficilement le classer parmi les boppers. En revanche, le jeune musicien, qui fait beaucoup penser par son attaque à Django Reinhardt,  a influencé quantité de guitaristes, notamment Wes Montgomery. Charlie jouait souvent sur une Gibson ES 250 (coucou les spécialistes!) et utilisait, (j’ai bien regardé les photos) le pouce et quelques doigts de la main droite sans l’aide d’un médiator (comme Wes!). Mais je peux me tromper. La photo ci dessus me laisse interrogatif.   J’ai toujours adoré le « Waitin »for Benny » du 22 mars 1941. Ce jour là, dans un studio de New York, on attendait le chef d’orchestre Benny Goodman,  et les musiciens commençaient à chauffer leurs instruments. Au milieu de la cacophonie habituelle dans ce cas, on entend les notes de Charlie qui s’installent avec plus d’intensité. Le guitariste s’impose sur un riff. Il continue avec de plus en plus d’autorité. Le morceau prend forme sur les harmonies de « a smooth one ». Peu à peu,  tous les musicos s’y mettent,  et on assiste à une sorte de jam improvisée qui devient un délice. Le trompettiste Cootie Williams semble s’éclater complétement. A écouter. Il faut écouter Charlie Christian. J’AIME CHARLIE!   A très vite,  chers amis,  dans un nouveau billet.

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Pour ce billet,  que je ne veux pas trop long,  je dispose de six cordes,   d’un clavier d’ordinateur…. et de mes sensations……Parler de la guitare…jazz…Quelle aventure! … Alors, tant pis pour les exégètes, les encyclopédistes du jazz,  ou de la guitare, les furieux des détails…Ils n’auront pas tout. Loin de là!.. On sentira de ma part, du parti pris, peut- être des lacunes… mais essayons de parler de l’essentiel, et de ce qui touche le coeur!.. un parcours partisan, c’est sûr!… Merveilleux instrument, à la fois, mélodique et rythmique, à la portée de tous (pour tirer quelques notes…), dans les bras des amoureux des chansons, des apprentis rockers, de ceux qui privilégient les moments conviviaux…près d’une roulotte par exemple, ou autour d’un feu de camp. J’en ai joué surtout aux scouts!…. Mais c’est un instrument que l’on peut traiter avec académisme, de façon sérieuse, pour vraiment remplir les plus grandes exigences musicales…. Grattons donc ensemble uniquement dans le jazz… le terreau est déjà immense et profond. Les premiers musiciens au début du siècle, ont peut- être préféré le banjo, plus sonore et convenant mieux aux parades dans la rue. Mais ce sont les bluesmen qui ont utilisé avec grand talent  la guitare à six cordes (mi la ré sol si mi)  pour accompagner leurs mélopées. Il faudrait dresser une longue liste des ces ancêtres prestigieux et peu enregistrés malheureusement. Big Bill Bronzy, Leadbelly, et plus tard T. Bone Walker peuvent être cités ici, ainsi que  tous les as des « chicago blues festivals ». Dans les années 30, la guitare va trouver une réelle place dans les rythmiques des orchestres, soit en pur et unique accompagnement, parfois sans amplification (Freddie Green chez Count Basie) soit, en s’émancipant mélodiquement,  et en fauchant ainsi la vedette aux soufflants… Exemple, Charlie Christian (photo d’ouverture) , lequel à l’instar de Eddie Durham, a utilisé avec goût et une grande efficacité , l’amplification. Chez le pianiste Fats Waller, on avait déjà remarqué Al Casey, lequel nous a émerveillés jusqu’au bout de sa longue carrière. Durant cette époque, en France, Django Reinhardt, va émerveiller le monde musical,  en créant un style propre, bourré de swing, comme ça, sans avoir appris, et sans avoir, semble t-il, subi les influences, notamment américaines. Il fut ainsi le créateur du style manouche, qui mériterait (mais ça viendra!) d’être mis en valeur dans un autre billet!… Ca y est! Dans les décennies qui ont suivi, la guitare a acquis ses lettres de noblesse. Les progrès de l’enregistrement lui ont donné toute sa dimension. De superbes musiciens vont complèter les plus célèbres formations, apportant ce son si particulier, comme celui qui s’invite… Apparaitront alors sur les scènes du jazz, Billy Mackel, Jimmi Shirley, puis plus tard, Barney Kessel, Tal Farlow, Kenny Burrel (vedette avec Grant Green chez Blue note), Jimmy Raney, le belge René Thomas, ou encore Jimmy Gourley. Plus moderne, (mais loué très vite par les hot club deFrance),  plus » mondialiste » par la suite avec une belle carrière de crooner, il faut citer ici George Benson. Pour beaucoup d’amoureux de la guitare demi caisse, il faut prendre garde de ne pas oublier le grand Wes Montgomery qui aimait jouer sans médiator, avec le bout de ses doigts. Vraiment superbe!… Dans cette longue litanie, il convient de mettre à part, ce que je nommerai des « phénomènes ». Joe Pass, tout d’abord, véritable virtuose, mais aussi le très spectaculaire Stanley Jordan, parvenant à tout faire avec sa seule guitare (basses, accords, solos). Allez voir ça sur you tube!….Effarant!. Je n’oublie pas , bien que ce ne soit pas ma tasse de thé,  les musiciens issus du jazzrock que beaucoup (plus jeunes que moi) vénèrent. Je veux parler de  Jimmy Hendrix (comment l’oublier!….) Pat Metheny, John Scofield, Larry Carlton, Larry Coryell,  John Abercrombie, ou encore John Mac Laughlin. Parmi  ces « modernes », j’ai un petit coup de coeur pour Jim Hall dont j’ai toujours apprécié le phrasé subtil, notamment aux côtés du  saxophoniste Paul Desmond. Bon, mais ça c’est très personnel!. Je n’oublie pas non plus, les adeptes de la bonne guitare sèche, « espagnole », plutôt en réussite sur les morceaux brésiliens (Laurendo D’Almeida, Baden Powell,  ou encore Charlie Byrd) N’oublions pas les français…Christian Escoudé, Patrick Saussois, le gaucher Marc Fosset, Christophe Davot, Nicolas Peslier le « poli » instrumentiste Stan Laferrière (photo) ,mais aussi (mais oui!),  Sacha Distel ou Henri Salvador!...il y en a énormément. Aidez moi à  complèter la liste  dans vos commentaires. Sur notre chère côte basque, ils sont nombreux à s’être produit avec succès,  notamment au regretté Soko à Hendaye!….. Marc Alibert, Emmanuel de Montalembert, Jean Marie Ecay (très connu, apprécié et hendayais!), Alain Pacowski, Eric Le Cordier ou encore Pascal Segala…J’allais oublier: « Mister Rock » Eric Ossau, un ami d’enfance hyper doué. Retouché en juin 2020, j’ai le plaisir d’ajouter Mario Gachis que je ne connaissais pas lors de la rédaction de ce billet. Mario, est aussi compositeur et un émouvant harmoniciste.  En Guadeloupe, sont fort connus, les frères d’Huy, ou encore Raymond Winter, Alex Jabot, Rudy Levallois.. Merveilleuse guitare…. Elle n’a pas fini de nous faire rêver….

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